Two thumbs UP!

Con la altísima vara que dejo Wall-E, los estudios Pixar encumbraron una emotiva aventura sobre un anciano que decide evadir al mundo amarrando su casa a miles de globos para dirigirse a Sudamérica.

Un pequeño polizón lo seguirá en su aventura, un viaje animado con una premisa original que se eleva muy por encima de las últimas producciones hollywoodenses.
Hay empatía, un humor absurdo y delirante que incluye perros, y mucho significado.

Two thumbs UP!

(no podía faltar el corto de antología que siempre acompaña)

Party Cloudy

Museo de Cera

Al menos la intención era buena. Desenmascarar al Banco Internacional de Crédito y Negocios (IBBC) de sus actividades corruptas no es una tarea fácil, menos en un lapso de sólo dos horas y en compañia de la atractiva blonda Naomi Watts.

Esto es ficción, por supuesto. Se trata de The International, última cinta del alemán Tom Tykwer (Lola Rennt) protagonizada por Clive Owen y la australiana Watts, estrenada en USA a mediados de febrero de este año y que suena como próximo estreno en nuestra cartelera desde hace varias semanas. Puede que siga sonando durante mucho tiempo, la cuestión es que no importa. A pesar de que se jacte de haber sido la cinta que abrió el pasado Festival de Cine de Berlín, la película es bien charcha y pinta más por su marketeo como filme-fórmula con una pareja de actores glamorosos que por su calidad de cine.

En 120 minutos la historia te embauca en una trama donde existe una poderosa institución financiera que teje toda una red de corrupción que incluye armas, países en crisis y miles de palos verdes. El agente de la Interpol, Louis Salinger (Owen) se obsesiona por destapar esta gigantesca caja de pandora, pero lo único que logra es derretir la punta del iceberg. El sistema es corrupto por donde se lo mire y no hay por donde pillarlo.

Sin duda este es un lugar común dentro del cine de thriller-corporativo, llámese la The French Connection, la trilogía de Bourne, Michael Clayton, pero forma parte de lo rescatable de este filme de poca chispa. Como dije al principio del post, la intención del agente es buena, imposible, pero loable. Es un filme realista dentro de su género (en un principio creí que el IBBC existía), y tiene una secuencia de acción magistral dentro del Museo de Guggenheim de Nueva York que les dejo a continuación.




Demasiado real, ¿no?

Lo que sigue es el making off. Literalmente un "museo de cera".



Y aquí, ¿prestarían el Bellas Artes para hacer una secuencia de acción al estilo Mirage Man?

Perdidos en Tokyo

Definitivamente el siguiente video no se puede explicar con palabras. No existe idioma que lo pueda descifrar.

Sólo les dejo la reseña. Esta es parte de la segunda historia de Tokyo!, filme-tríptico-estiloso realizado por los franceses Leos Carax, Michel Gondry y el coreano Joon-Ho Bong.

El segmento corresponde a Carax, lleva por nombre Merde (mierda), y es una especie de apología a los añejos monstruos del cine oriental (como Gojira) sazonada con toques de crítica a la xenofobia.

¡Por la mierda que bueno es!

En el valle de Elah

Un soldado de EEUU mata a cinco compañeros en la sede del cuartel aliado en Irak (reuters)

Pasa en las películas, pasa en la vida real.

mierDARKO

El destino indica que si viste Donnie Darko no puedes dejar de ver su secuela, entonces...

EVITALO!!

o las consecuencias serán terribles

VCC

No cabe duda que esta debió ser LA película del verano, de la que todos hablarían, el fenómeno pop de la temporada estival, una comedia muy liviana pero con la firma del neurótico y prolífico autor con gafas de marco grueso.

Está claro que ya no lo fue, y es altamente probable que su pasada por las salas chilenas sea efímera, tal como la penúltima cinta de Allen, El Sueño de Cassandra. Aunque el caluroso clima de estos días podría darle una segunda oportunidad.

¿Por qué verla?

Por lo siguiente: el elenco. No recuerdo una película de Woody Allen con un elenco tan bien equilibrado entre lo popular y lo profesional. Las razones del talento del trío estelar abundan en los miles de comentarios hechos sobre VCB, a quienes se agrega una novata Rebecca Hall que seduce con su vulnerabilidad e inocencia. Hay buena química, la fórmula funciona.

¿Por qué no?

Hace rato que el cineasta no da en clavo con una historia que se aproxime a sus clásicos de antaño (salvo Match Point), verdaderos ensayos sobre el comportamiento humano, muchas veces representados a través de personajes interpretados por el mismo Allen que hasta hoy son considerados de culto. A fin de cuentas, para un fiel seguidor de su obra VCB cae por su propio peso: Vicky se rinde; Cristina abandona su obsesión, Barcelona queda atrás, nunca fue.

Esta es simplemente una historia sobre dos mujeres que viajan a Barcelona en busca de "algo más". Lo encuentran, tienen sexo, se divierten. Ellas se llaman Vicky, Cristina... calentonas (VCC).

Vicky Cristina Barcelona (2008)

Dir: Woody Allen

Guión: Woody Allen

Elenco: Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Penélope Cruz, Javier Bardem

9/9/09

No es Nine.
Es 9.

9, el cortometraje original

Linda Evangeline

Estoy absolutamente "perdido"

Pecados de guerra

Una vez fuera del edificio donde acaban de desactivar una bomba, el soldado Eldridge le comenta a su superior lo difícil que es diferenciar a la gente afgana.

El sargento James se detiene a pensar las palabras dichas por Eldridge. Su mirada está quieta. Se pregunta si el chico al que le acaba de extraer una bomba del estómago era el mismo al que días antes le había comprado un par de películas piratas a 5 dólares cada una, el mismo con el que había establecido cierto grado de amistad.

(...)

The Hurt Locker (2009)

Dir. Kathryn Bigelow

Guión: Mark Boal

Reparto: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty (with David Morse, Evangeline Lilly, Guy Pearce, Ralph Fiennes)

Trailer

Stayin' Alive

¿En quién pensará el imaginario colectivo en unos años más al escuchar las palabras TONY MANERO?
¿En John o Alfredo? ¿Qué película verán primero, la sobre el psicópata sombrío que recorre las calles de un Santiago bajo un régimen militar o la sobre su alter ego, un talentoso e inmaduro bailarín de música disco?

Google da su pronóstico. La primera página de búsqueda por las palabras "tony manero" da como resultado 6 links hacia la película de Pablo Larraín y sólo 3 para la taquillera cinta hollywoodense. Y encabeza la lista... CHILE!

¿Cuál de los dos personajes se mantendrá vivo y más vigente en la memoria cinéfila de las futuras generaciones?

Hasta ahora vamos ganando.

No por nada tenemos a McKee, aquí.
¿Algo más?

Hey Mickey

Está probado en la industria cinematográfica que las historias humanas donde “todo tiempo pasado fue mejor” son una fórmula exitosa a la hora de atraer grandes cantidades de espectadores a las salas de cine. Así lo avalan producciones como Ali, Ray y La vie en rose, cintas que, apoyadas en personajes reales, sobre estimulan los sentidos de la audiencia gracias a biografías enfatizadas en contraponer un antes/glorioso y un después /decadente en la vida de sus personajes.

La última película del realizador norteamericano Darren Aronofsky, El Luchador (2008), parte de ese supuesto y desde ahí dispara un relato en presente sobre Randy “The Ram” Robinson (Mickey Rourke), un peleador profesional de la lucha libre que persiste en ganarse la vida gracias a la musculatura, su herramienta necesaria de trabajo.

Con la ayuda de una cámara subjetiva vemos a Randy recorrer los pasillos de los camarines donde entrena hasta salir al ring donde su fanaticada lo espera. Siempre observando su espalda, la tercera persona con la que nos identificamos transmite directamente sus emociones y de manera visceral, dando por hecho que nos encontramos tras un personaje que se encuentra en un mundo del espectáculo cada vez más ajeno a su persona.

Peleas fraudulentas, deudas impagas y constantes noches de juerga reflejan lo insostenible que se ha convertido para Randy vivir de la lucha libre. Es una bailarina de cabaret, interpretada por la atractiva Marisa Tomei, el único motivo que mantiene en pie a Robinson, pero ni siquiera ello puede aplacar el desafortunado destino que le depara: un inesperado infarto le advierte que no puede seguir combatiendo. Su organismo ya no da para planchas, llaves ni patadas.

Es interesante que el soundtrack de esta película lo compongan melodías ochenteras del calibre de Guns N' Roses, Cinderella o Ratt, patentes bandas exponentes del hard rock que alguna vez lideraron los rankings de canciones más escuchadas y que ahora brillan por su ausencia en el colectivo radioescucha. La rubia y extensa cabellera de Rourke emula a dichos intérpretes, verdaderos “titanes del ring” rockero de antaño.

Cual ídolo olvidado, y ahora falto de salud, Randy deambula por diferentes trabajos-parche que satisfacen su necesidad por alimentarse, pero que se hallan lejos de la demanda por una satisfacción personal. Si en un principio el personaje ya se hallaba fuera de foco, ahora se margina aún más de lo que podría constituir su felicidad, la lucha.

Es aquí cuando ocurre el encuentro con una hija abandonada (Evan Rachel Wood), evento que se eleva como elemento secundario que podría haber dado para más, pues extrapolando que lo minutos de su actuación son imborrables, el personaje se esfuma rápido, como un suave golpe en la quijada. Tal vez menos pretensiones para con el personaje de Rourke hubieran permeado la entrada de otros factores hacia un mundo subjetivo y personalista, reacio a permutar. Pero claramente se hubiese tratado de otra película, una esperanzadora, de fórmula asegurada.

Como último punto cabe constatar por qué Mickey Rourke no fue reconocido con la estatuilla en los pasados premios Oscar. La razón puede desprenderse de la misma decisión narrativa adoptada por El Luchador. Se ha repetido que la figura de Randy “The Ram” Robinson es el reflejo de la biografía de Rourke. Ambos tuvieron un época dorada, en la fueron íconos populares de toda una generación, sin embargo fue el éxito aquel que caducó sus talentos, llevándolos por caminos errantes repletos de excesos y esterilidad. Partiendo desde esa condición, la redención es un recurso que acá no tiene cabida. El pasado fue mejor, pero quedó donde pertenece. Ni como premio de consuelo.

Recordando a Eisenstein

“El Acorazado Potemkin” (Bronenósets Potyomkin) es considerado uno de los grandes hitos en la historia del cine, esto se podría explicar en diversos aspectos. Un ejemplo es el hecho de que esta obra fue creada por orden de Stalin en el año 1925, para conmemorar los intentos de revolución que hubo en Rusia durante 1905 y levantar el ánimo revolucionario en el entonces régimen comunista imperante, misión que fue cumplida gracias a la genialidad de su director, Sergéi Eisenstein, quien encuentra una nueva manera de filmar, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata. Otro punto de análisis es el notable trabajo de Nina Agadzhanova-Shutko, quien escribió el guión de esta película basándose en su experiencia como participante activa en el intento de revolución de 1905.

La película muda consta de cinco actos:

1. Hombres y gusanos
2. Drama en el Golfo Tendra
3. El muerto calma
4. La escalera de Odessa
5. Encuentro con la escuadra

En lo concreto, la obra cuenta la rebelión de un grupo de marineros obligados a vivir en terribles condiciones de maltrato e injusticias por parte de los oficiales del barco que forma parte de la marina del zar Nicolás II. El punto que da inicio a la revolución de los marineros fue el intento de servirles carne podrida y llena de gusanos; a lo que se suma la intención de fusilar a quienes trataron de revelarse contra las autoridades navales y tomar el control del acorazado, hecho que marcó una revuelta que terminó con la muerte de los oficiales del navío. La noticia de este motín llegó al puerto de Odessa, donde los habitantes recibieron a estos “valientes” marinos como héroes.

Es en esta parte de la película (La escalera de Odessa) en la que se encierra el secreto del éxito que alcanzó la obra. Mientras la multitud recibía a sus héroes a los pies de una gran escalera que llega hasta el puerto, un grupo de soldados del Zar aparece a sus espaldas (desde la parte superior de la escalera) y empieza a disparar contra la multitud y los marineros, causando una matanza de grandes proporciones. Eisensetein patentó un estilo de realización basado en la elección de imágenes específicas, desde ángulos diversos. Tomó incidentes aislados o circunstancias concretas y las filmó por separado, luego las ordenó en una secuencia dinámica de contrastes, conflictos y movimientos, los cuales transformaron una simple línea narrativa en una profunda experiencia emocional. Ejemplo de esto es la parte en la que una mujer (que llevaba a su hijo un coche) trata de escapar de los disparos y es alcanzada por una bala. Al caer muerta empuja el coche y éste empieza a rodar escaleras abajo, mientras el caótico entorno se muestra lleno de gente corriendo desesperada y cayendo muerta. Todo esto crea una angustia especial en el espectador, esa angustia del no saber qué será de la guagua en el coche sin control, que finalmente se vuelca en medio de la gran escalera, en medio de este dramático caos físico y emocional. Esta escena es la más famosa de la historia del cine y ha sido homenajeada por diversos directores, como Francis Ford Coppola, Brian De Palma e incluso George Lucas.

Otra de las cosas que reafirman la genialidad de Eisensetein es que, si bien la historia de los marineros en el acorazado es real, la matanza en el puerto de Odessa es completamente ficticia, sin embargo, su realización fue tan realista y meticulosa, que durante mucho tiempo hubo personas - ajenasa la historia rusa - que pensaban que este era un hecho histórico real.

Si bien esta es la escena que marcó la grandeza y el éxito del "El Acorazado Potemkin", el resto de la trama es igualmente poderosa, pues es una construcción similar y avanza con ritmos poéticos y dramáticos, que apelan a las emociones del espectador de diversas maneras. El ánimo de los protagonistas de esta historia se dibuja gracias a juegos de encuadres con los que el director experimenta y a la cuidadosa selección de imágenes que se suceden con tan especial enfoque.

Pero no es solamente por todo lo anterior que la obra es considerada una de las más grandes películas en la historia del cine. Uno de los cambios más importantes que Eisensetein hizo al momento de realizar esta hazaña cinematográfica es la mezcla entre ficción y documental, tomar ese momento histórico tan emblemático para el pueblo comunista ruso y fundirlo perfectamente con una realidad inventada es, desde mi punto de vista y considerando que fue el primero en hacerlo, el gran mérito que dio vida a esta leyenda del séptimo arte.

Anticronico.

¿Porno mainstream?

Sasha Grey

+

Steven Soderbergh

=

WTF************************

Cine "holocáustico"

Sucedió como lo esperaba. La adaptación al cine de la novela de Bernard Schlink, El Lector, cumplió con mis no expectativas. Me dejó la sensación de haber visto un drama de época típico, aburrido y seco (que paradójicamente puede arrancar mares de lágrimas). Pero al fin y al cabo sacié mi apetito cinéfilo y de paso terminé de ver una de las peores quintillas de películas nominadas al principal premio de la Academia en los últimos años.

Como de costumbre luego visité el sitio del crítico Roger Ebert en búsqueda de dobles o triples lecturas de la película. Por supuesto que el "salvavidas" Ebert expuso puntos con los que estoy de acuerdo, como que "no se trata sólo de una cinta sobre el Holocausto, sino de los secretos profundos y la vergüenza de contarlos", pero al fin y al cabo la reseña se dirigía al trasfondo dejando de lado la contrucción de la historia, que sigo reprobando.

Sin embargo, fue el último párrafo de la crítica lo que llamó mi atención. Dice así: "What would we have done during the rise of Hitler? If we had been Jews, we would have fled or been killed. But if we were one of the rest of the Germans?" ("¿Qué hubiésemos hecho durante el ascenso de Hitler? Si hubiéramos sido judíos, habríamos escapado o nos habrían matado. ¿Pero si hubiésemos sido uno más de los alemanes?").

Me cuelgo de la última interrogante expuesta por Ebert. Si fuese alemán, neutro al régimen nazi, y viviera inmerso en un contexto abusivo, hostil, dictatorial, ¿debería reaccionar tomando partido de alguno de los bandos, o simplemente dejaría que las cosas pasen?

Es de vital importancia que dicho cuestionamiento, con una consiguiente convicción, pase por la cabeza de todos los personajes que emigran al universo cinematográfico "holocaústico", para así generar nuevos matices y dobles lecturas en las acciones que estos realizan.

La cuestión pasó por la mente del Coronel Claus Philipp Maria Schenk Graf von Stauffenberg, militar alemán que formó parte de un plan frustrado que atentó contra Hitler y que históricamente se conoce como el "complot del 20 de julio" de 1944. Una vez descubierto, el coronel y su equipo fueron sentenciados y fusilados por alta traición al régimen del Führer.



Hoy la historia se repite. Bryan Singer llevó el acontecimiento histórico a la pantalla grande a finales del año pasado, producción duramente tratada por la crítica, tanto por su severa descontextualización de los hechos reales como por la acartonada actuación de Tom Cruise, quien encarnó al coronel Stauffenberg.

Tal vez los especialistas no notaron aristas nuevas en el personaje de Singer, solo preguntas al aire, inverosímiles y gratuitas. Se trató de un estreno traicionero al espíritu del buen cine "holocáustico". Y le valió un certero tiro de gracia.

Pay per view

Un capellán y una monja discuten toda una pelicula porque ella cree que él abusa de un alumno negro con el que guarda cierta cercanía. Eso es lo explícito, pero como todos dudan, en realidad puede que estén ocultando un secreto de confesión muy bien guardado, sobre un grupo de ladrones que dieron un gran golpe al asaltar un banco británico. El problema es que parte del botín extraviado pertenecía a otros criminales, una ejecutiva y un anciano, quienes "no dejaron mancha" en el ilícito que cometieron. Lo que sí dejó marca fue el contenido del frasco que rompió el chofer del bus en el que arrancó el veterano luego conseguir el dinero, el mismo recipiente donde alguna vez Rudo, hermano de Cursi, guardó las ganancias que el fútbol le brindó.

Por supuesto la historia que conté no existe. Sólo pido que guarden los derechos de autor.

La semana pasada se estrenaron cinco largometrajes y tuve la suerte de alcanzar a verlos todos (*) . De estrenos tienen poco (en el sentido de premiere, primera presentación) ya que todas son realizaciones del 2008. La menos tardía fue la mexicana Rudo y Cursi, lanzada en diciembre pasado en su país de origen. Pero a pesar del atraso la cartelera semanal estuvo sobre la media en calidad cinematográfica. Eso significa mucho en tiempos de pseudo-vampiros que no asustan ni a ridículos chihuahuas parlantes.

Luego de varias semanas fascistas en cuanto a qué películas ver (estos premios Oscar "inculcaron" hasta al menos cinéfilo las cintas nominadas a la estatuilla) por fin se democratiza el asunto y la elección vuelve al espectador. Eso hasta que se acerquen los nuevos dictadores de la cartelera. Sólo pensando en ellos la libertad cinéfila comiena a coartarse. Watch..., Terminat..., Transfo..., Harry... puaj.

(*) 4 de las 5 películas se preestrenaron en el pasado Festival de Cine de Las Condes.

La Duda (2008)
Título original: Doubt
Dirección: John Patrick Shanley (Joe contra el volcán, 1990)
Reparto: Philip Seymour Hoffman, Meryl Streep, Amy Adams, Viola Davis.

Opinión: (4,5/5) Impecable. Imparcial en lo imposible. Respeta cualquier punto de vista. Hay veces que hacen falta peliculas atrevidas como esta, que tocan temas difíciles sin caer en el morbo folletinesco. Una de las mejores de la temporada.


El Gran Golpe (2008)
Título original: The Bank Job
Dirección: Roger Donaldson (13 Días, 2000)
Reparto: Jason Statham, Saffron Burrows.

Opinión: (3/5) Si los últimos estrenos cinematográficos sobre robos me habían dejado la sensación de haber sido "asaltado" al terminar de verlos (2da y 3ra parte de las Grandes Estafas), resulta paradójico que aquél con peor título y actor protagónico "de cartón" me entretuvo hasta el final, llegando al punto de entusiasmarme para investigar sobre el hecho real sobre el que esta basado. Pedirle algo más que entretención a Jason Statham y cia es tan absurdo como dejar libre el paso a la bóveda de un banco. Apuesta Segura.


El Frasco (2008)
Dirección: Alberto Lecchi (Nueces para el amor, 2000)
Reparto: Darío Grandinetti, Leticia Brédice.

Opinión: (3/5) Lo macabro de realizar una película romántica es que el director no puede darse licencias a la hora de enfrentar a sus personajes en su primer encuentro amoroso, ya que es ahí donde el espectador define si la química romántica le gusta o no. Lo anterior, claro, va dirigido hacia aquellos convencionalistas del género. Se agradece en ese sentido lo jugada que es "El Frasco" en el uso de sus personajes principales, quienes demuestran completa autonomía y simplezas más cercanas al mundo real que al prefabricado por Hollywood. Arriesgada.

Un Plan Brillante (2008)

Título original: Flawless

Dirección: Michael Radford (Il Postino, 1994)

Elenco: Demi Moore, Michael Caine.

Opinión: (2,5/5) Haciendo caso omiso de su título, Un Plan Brillante tiene manchas en cómo está contada. Por momentos hipnotiza pero, al igual que sus protagonistas, se deja llevar por la ambición de una narración que comienza y finaliza con una situación de adorno. Mucho estuco. Para Moore y para el film.

Rudo Y Cursi (2008)

Dirección: Carlos Cuarón

Elenco: Gael García Bernal, Diego Luna, Guillermo Francella.

Opinión: (3,5/5) Post anterior.

Cha Cha Cha

A veces ruda, de momentos cursi, esta es una historia que raya en el cliché del pobre que de un día para otro se convierte en rico, pero que no cae en el completo estereotipo por el consumado talento de sus protagonistas. Luna y Garcia invierten sus roles de "Y tu mamá también" con un resultado que los confirma como la dupla latina del momento.

Entretenida.

Trailer

La historia sumergida

Un ejemplo de historia bien contada. Realizado por un japonés, con título francés, cuenta la aventura de un solitario anciano que extravía su pipa y en su busca se sumerge en recuerdos de un pasado que poco a poco ha ido cimentando bajo el mar.
Un excelente y emotivo trabajo en que el polvo que cubre los recuerdos es reemplazado por burbujas.

La Maison en Petits Cubes (2008)
Premio de la Academia al Mejor Cortometraje Animado

contenido removido

click acá para descargar

Y los demás candidatos fueron:

Lavatory Lovestory by Konstantin Bronzit (Rusia)

Oktapodi by Julien Bocabeille and François-Xavier Chanioux (France)

Presto by Doug Sweetland (USA)

This Way Up by Adam Foulkes & Alan Smith (England)

Desvío (¡Cine sin salida!)

Todavía con la resaca de los premios Oscar me queda espacio para seguir reflexionando sobre los ganadores. Slumdog Millionaire fue la indiscutida triunfadora (y la más obvia). Todos los galardones fueron absolutamente predecibles, salvo Penélope Cruz, Sean Penn y Departures (Okuribito, 2008), película japonesa que ganó en la categoría Mejor Filme Extranjero.

Pero a pesar de tales excepciones, mi opinión es que la premiación está girando hacia rutas equívocas. Desde hace algunas temporadas los premios del tío Oscar ya no tienen el suspenso de antes, que los hacía anfitriones de grandes cintas que a veces pasaban desapercibidas por el público general. Ahora es muy fácil tener todas las nominadas a la mano (comprándolas en la cuneta o bajándolas), verlas antes de la ceremonia y apostar por las ganadoras. Sin duda es un proceso paradisíaco para cualquier cinéfilo, y no hay nada que satisfaga más el ego durante esta estación que estar al día con las nominadas al premio Oscar. Con todo, estar actualizado en lo que a cine hollywoodense se refiere también trae sus contras. El principal es que se deja de ver cine al azar. La libertad plena de hacer zapping en el cable y encontrarse con un bodrio o con una joyita es una experiencia que se deja de lado en período de premiaciones.

El fin de semana pasado me topé en el canal AXN con dos bodrios (uno bueno y otro malo) que me liberaron de la fiebre de especulaciones alrededor de los oscar. Wrong Turn (Camino hacia el terror, 2003), y su secuela hecha para televisión, Wrong Turn 2: Dead End (2007). Fue un alivio verlas desligado de expectativas. Por supuesto que no esperaba dos obras maestras, tan sólo exigía un poco de libertad cinéfila.

Tal vez eso le falta a los premios oscar, libertad, más licencias. Desviarse de la ruta a veces hace bien. Sino pregúntenle a este grupo de adolescentes quienes caen (¡dos veces!) en manos de caníbales frekis.

Camino hacia el terror (Wrong Turn) (Escenas rescatables)