Cultura POPcorn

Catarata de ideas

2010-03-11T19:08:00.000-08:00

Hasta hace unos meses me llovía sobre mojado. Una serie de eventos desafortunados que anegaron mis días durante un extenso período nubló cualquier gota de creatividad que mi cerebro pudiera generar.

Pero suficiente fue el agua que pasó bajo este puente, ahora convertida en un pozo de ideas frescas y listas para ser derramadas.

Deja que fluya, broda!

Two thumbs UP!

2009-06-13T11:54:00.000-07:00

Con la altísima vara que dejo Wall-E, los estudios Pixar encumbraron una emotiva aventura sobre un anciano que decide evadir al mundo amarrando su casa a miles de globos para dirigirse a Sudamérica.

Un pequeño polizón lo seguirá en su aventura, un viaje animado con una premisa original que se eleva muy por encima de las últimas producciones hollywoodenses.
Hay empatía, un humor absurdo y delirante que incluye perros, y mucho significado.

Two thumbs UP!

(no podía faltar el corto de antología que siempre acompaña)

Party Cloudy

Museo de Cera

2009-06-04T19:00:00.000-07:00

Al menos la intención era buena. Desenmascarar al Banco Internacional de Crédito y Negocios (IBBC) de sus actividades corruptas no es una tarea fácil, menos en un lapso de sólo dos horas y en compañia de la atractiva blonda Naomi Watts.

Esto es ficción, por supuesto. Se trata de The International, última cinta del alemán Tom Tykwer (Lola Rennt) protagonizada por Clive Owen y la australiana Watts, estrenada en USA a mediados de febrero de este año y que suena como próximo estreno en nuestra cartelera desde hace varias semanas. Puede que siga sonando durante mucho tiempo, la cuestión es que no importa. A pesar de que se jacte de haber sido la cinta que abrió el pasado Festival de Cine de Berlín, la película es bien charcha y pinta más por su marketeo como filme-fórmula con una pareja de actores glamorosos que por su calidad de cine.

En 120 minutos la historia te embauca en una trama donde existe una poderosa institución financiera que teje toda una red de corrupción que incluye armas, países en crisis y miles de palos verdes. El agente de la Interpol, Louis Salinger (Owen) se obsesiona por destapar esta gigantesca caja de pandora, pero lo único que logra es derretir la punta del iceberg. El sistema es corrupto por donde se lo mire y no hay por donde pillarlo.

Sin duda este es un lugar común dentro del cine de thriller-corporativo, llámese la The French Connection, la trilogía de Bourne, Michael Clayton, pero forma parte de lo rescatable de este filme de poca chispa. Como dije al principio del post, la intención del agente es buena, imposible, pero loable. Es un filme realista dentro de su género (en un principio creí que el IBBC existía), y tiene una secuencia de acción magistral dentro del Museo de Guggenheim de Nueva York que les dejo a continuación.

Demasiado real, ¿no?

Lo que sigue es el making off. Literalmente un "museo de cera".

Y aquí, ¿prestarían el Bellas Artes para hacer una secuencia de acción al estilo Mirage Man?

Perdidos en Tokyo

2009-05-23T18:10:00.000-07:00

Definitivamente el siguiente video no se puede explicar con palabras. No existe idioma que lo pueda descifrar.

Sólo les dejo la reseña. Esta es parte de la segunda historia de Tokyo!, filme-tríptico-estiloso realizado por los franceses Leos Carax, Michel Gondry y el coreano Joon-Ho Bong.

El segmento corresponde a Carax, lleva por nombre Merde (mierda), y es una especie de apología a los añejos monstruos del cine oriental (como Gojira) sazonada con toques de crítica a la xenofobia.

¡Por la mierda que bueno es!

En el valle de Elah

2009-05-12T19:30:00.000-07:00

Un soldado de EEUU mata a cinco compañeros en la sede del cuartel aliado en Irak (reuters)

Pasa en las películas, pasa en la vida real.

mierDARKO

2009-05-05T21:06:00.000-07:00

El destino indica que si viste Donnie Darko no puedes dejar de ver su secuela, entonces...

EVITALO!!

o las consecuencias serán terribles

VCC

2009-04-29T20:49:00.000-07:00

No cabe duda que esta debió ser LA película del verano, de la que todos hablarían, el fenómeno pop de la temporada estival, una comedia muy liviana pero con la firma del neurótico y prolífico autor con gafas de marco grueso.

Está claro que ya no lo fue, y es altamente probable que su pasada por las salas chilenas sea efímera, tal como la penúltima cinta de Allen, El Sueño de Cassandra. Aunque el caluroso clima de estos días podría darle una segunda oportunidad.

¿Por qué verla?

Por lo siguiente: el elenco. No recuerdo una película de Woody Allen con un elenco tan bien equilibrado entre lo popular y lo profesional. Las razones del talento del trío estelar abundan en los miles de comentarios hechos sobre VCB, a quienes se agrega una novata Rebecca Hall que seduce con su vulnerabilidad e inocencia. Hay buena química, la fórmula funciona.

¿Por qué no?

Hace rato que el cineasta no da en clavo con una historia que se aproxime a sus clásicos de antaño (salvo Match Point), verdaderos ensayos sobre el comportamiento humano, muchas veces representados a través de personajes interpretados por el mismo Allen que hasta hoy son considerados de culto. A fin de cuentas, para un fiel seguidor de su obra VCB cae por su propio peso: Vicky se rinde; Cristina abandona su obsesión, Barcelona queda atrás, nunca fue.

Esta es simplemente una historia sobre dos mujeres que viajan a Barcelona en busca de "algo más". Lo encuentran, tienen sexo, se divierten. Ellas se llaman Vicky, Cristina... calentonas (VCC).

Vicky Cristina Barcelona (2008)

Dir: Woody Allen

Guión: Woody Allen

Elenco: Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Penélope Cruz, Javier Bardem

9/9/09

2009-04-28T09:03:00.000-07:00

No es Nine.
Es 9.

9, el cortometraje original

Linda Evangeline

2009-04-27T17:50:00.001-07:00

Estoy absolutamente "perdido"

Pecados de guerra

2009-04-25T23:10:00.000-07:00

Una vez fuera del edificio donde acaban de desactivar una bomba, el soldado Eldridge le comenta a su superior lo difícil que es diferenciar a la gente afgana.

El sargento James se detiene a pensar las palabras dichas por Eldridge. Su mirada está quieta. Se pregunta si el chico al que le acaba de extraer una bomba del estómago era el mismo al que días antes le había comprado un par de películas piratas a 5 dólares cada una, el mismo con el que había establecido cierto grado de amistad.

(...)

The Hurt Locker (2009)

Dir. Kathryn Bigelow

Guión: Mark Boal

Reparto: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty (with David Morse, Evangeline Lilly, Guy Pearce, Ralph Fiennes)

Trailer

Stayin' Alive

2009-04-24T19:01:00.000-07:00

¿En quién pensará el imaginario colectivo en unos años más al escuchar las palabras TONY MANERO?
¿En John o Alfredo? ¿Qué película verán primero, la sobre el psicópata sombrío que recorre las calles de un Santiago bajo un régimen militar o la sobre su alter ego, un talentoso e inmaduro bailarín de música disco?

Google da su pronóstico. La primera página de búsqueda por las palabras "tony manero" da como resultado 6 links hacia la película de Pablo Larraín y sólo 3 para la taquillera cinta hollywoodense. Y encabeza la lista... CHILE!

¿Cuál de los dos personajes se mantendrá vivo y más vigente en la memoria cinéfila de las futuras generaciones?

Hasta ahora vamos ganando.

No por nada tenemos a McKee, aquí.
¿Algo más?

Hey Mickey

2009-04-19T20:19:00.000-07:00

Está probado en la industria cinematográfica que las historias humanas donde “todo tiempo pasado fue mejor” son una fórmula exitosa a la hora de atraer grandes cantidades de espectadores a las salas de cine. Así lo avalan producciones como Ali, Ray y La vie en rose, cintas que, apoyadas en personajes reales, sobre estimulan los sentidos de la audiencia gracias a biografías enfatizadas en contraponer un antes/glorioso y un después /decadente en la vida de sus personajes.

La última película del realizador norteamericano Darren Aronofsky, El Luchador (2008), parte de ese supuesto y desde ahí dispara un relato en presente sobre Randy “The Ram” Robinson (Mickey Rourke), un peleador profesional de la lucha libre que persiste en ganarse la vida gracias a la musculatura, su herramienta necesaria de trabajo.

Con la ayuda de una cámara subjetiva vemos a Randy recorrer los pasillos de los camarines donde entrena hasta salir al ring donde su fanaticada lo espera. Siempre observando su espalda, la tercera persona con la que nos identificamos transmite directamente sus emociones y de manera visceral, dando por hecho que nos encontramos tras un personaje que se encuentra en un mundo del espectáculo cada vez más ajeno a su persona.

Peleas fraudulentas, deudas impagas y constantes noches de juerga reflejan lo insostenible que se ha convertido para Randy vivir de la lucha libre. Es una bailarina de cabaret, interpretada por la atractiva Marisa Tomei, el único motivo que mantiene en pie a Robinson, pero ni siquiera ello puede aplacar el desafortunado destino que le depara: un inesperado infarto le advierte que no puede seguir combatiendo. Su organismo ya no da para planchas, llaves ni patadas.

Es interesante que el soundtrack de esta película lo compongan melodías ochenteras del calibre de Guns N' Roses, Cinderella o Ratt, patentes bandas exponentes del hard rock que alguna vez lideraron los rankings de canciones más escuchadas y que ahora brillan por su ausencia en el colectivo radioescucha. La rubia y extensa cabellera de Rourke emula a dichos intérpretes, verdaderos “titanes del ring” rockero de antaño.

Cual ídolo olvidado, y ahora falto de salud, Randy deambula por diferentes trabajos-parche que satisfacen su necesidad por alimentarse, pero que se hallan lejos de la demanda por una satisfacción personal. Si en un principio el personaje ya se hallaba fuera de foco, ahora se margina aún más de lo que podría constituir su felicidad, la lucha.

Es aquí cuando ocurre el encuentro con una hija abandonada (Evan Rachel Wood), evento que se eleva como elemento secundario que podría haber dado para más, pues extrapolando que lo minutos de su actuación son imborrables, el personaje se esfuma rápido, como un suave golpe en la quijada. Tal vez menos pretensiones para con el personaje de Rourke hubieran permeado la entrada de otros factores hacia un mundo subjetivo y personalista, reacio a permutar. Pero claramente se hubiese tratado de otra película, una esperanzadora, de fórmula asegurada.

Como último punto cabe constatar por qué Mickey Rourke no fue reconocido con la estatuilla en los pasados premios Oscar. La razón puede desprenderse de la misma decisión narrativa adoptada por El Luchador. Se ha repetido que la figura de Randy “The Ram” Robinson es el reflejo de la biografía de Rourke. Ambos tuvieron un época dorada, en la fueron íconos populares de toda una generación, sin embargo fue el éxito aquel que caducó sus talentos, llevándolos por caminos errantes repletos de excesos y esterilidad. Partiendo desde esa condición, la redención es un recurso que acá no tiene cabida. El pasado fue mejor, pero quedó donde pertenece. Ni como premio de consuelo.

Recordando a Eisenstein

2009-04-16T20:23:00.001-07:00

“El Acorazado Potemkin” (Bronenósets Potyomkin) es considerado uno de los grandes hitos en la historia del cine, esto se podría explicar en diversos aspectos. Un ejemplo es el hecho de que esta obra fue creada por orden de Stalin en el año 1925, para conmemorar los intentos de revolución que hubo en Rusia durante 1905 y levantar el ánimo revolucionario en el entonces régimen comunista imperante, misión que fue cumplida gracias a la genialidad de su director, Sergéi Eisenstein, quien encuentra una nueva manera de filmar, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata. Otro punto de análisis es el notable trabajo de Nina Agadzhanova-Shutko, quien escribió el guión de esta película basándose en su experiencia como participante activa en el intento de revolución de 1905.

La película muda consta de cinco actos:

Hombres y gusanos
Drama en el Golfo Tendra
El muerto calma
La escalera de Odessa
Encuentro con la escuadra

En lo concreto, la obra cuenta la rebelión de un grupo de marineros obligados a vivir en terribles condiciones de maltrato e injusticias por parte de los oficiales del barco que forma parte de la marina del zar Nicolás II. El punto que da inicio a la revolución de los marineros fue el intento de servirles carne podrida y llena de gusanos; a lo que se suma la intención de fusilar a quienes trataron de revelarse contra las autoridades navales y tomar el control del acorazado, hecho que marcó una revuelta que terminó con la muerte de los oficiales del navío. La noticia de este motín llegó al puerto de Odessa, donde los habitantes recibieron a estos “valientes” marinos como héroes.

Es en esta parte de la película (La escalera de Odessa) en la que se encierra el secreto del éxito que alcanzó la obra. Mientras la multitud recibía a sus héroes a los pies de una gran escalera que llega hasta el puerto, un grupo de soldados del Zar aparece a sus espaldas (desde la parte superior de la escalera) y empieza a disparar contra la multitud y los marineros, causando una matanza de grandes proporciones. Eisensetein patentó un estilo de realización basado en la elección de imágenes específicas, desde ángulos diversos. Tomó incidentes aislados o circunstancias concretas y las filmó por separado, luego las ordenó en una secuencia dinámica de contrastes, conflictos y movimientos, los cuales transformaron una simple línea narrativa en una profunda experiencia emocional. Ejemplo de esto es la parte en la que una mujer (que llevaba a su hijo un coche) trata de escapar de los disparos y es alcanzada por una bala. Al caer muerta empuja el coche y éste empieza a rodar escaleras abajo, mientras el caótico entorno se muestra lleno de gente corriendo desesperada y cayendo muerta. Todo esto crea una angustia especial en el espectador, esa angustia del no saber qué será de la guagua en el coche sin control, que finalmente se vuelca en medio de la gran escalera, en medio de este dramático caos físico y emocional. Esta escena es la más famosa de la historia del cine y ha sido homenajeada por diversos directores, como Francis Ford Coppola, Brian De Palma e incluso George Lucas.

Otra de las cosas que reafirman la genialidad de Eisensetein es que, si bien la historia de los marineros en el acorazado es real, la matanza en el puerto de Odessa es completamente ficticia, sin embargo, su realización fue tan realista y meticulosa, que durante mucho tiempo hubo personas - ajenasa la historia rusa - que pensaban que este era un hecho histórico real.

Si bien esta es la escena que marcó la grandeza y el éxito del "El Acorazado Potemkin", el resto de la trama es igualmente poderosa, pues es una construcción similar y avanza con ritmos poéticos y dramáticos, que apelan a las emociones del espectador de diversas maneras. El ánimo de los protagonistas de esta historia se dibuja gracias a juegos de encuadres con los que el director experimenta y a la cuidadosa selección de imágenes que se suceden con tan especial enfoque.

Pero no es solamente por todo lo anterior que la obra es considerada una de las más grandes películas en la historia del cine. Uno de los cambios más importantes que Eisensetein hizo al momento de realizar esta hazaña cinematográfica es la mezcla entre ficción y documental, tomar ese momento histórico tan emblemático para el pueblo comunista ruso y fundirlo perfectamente con una realidad inventada es, desde mi punto de vista y considerando que fue el primero en hacerlo, el gran mérito que dio vida a esta leyenda del séptimo arte.

Anticronico.

¿Porno mainstream?

2009-04-02T09:56:00.000-07:00

Sasha Grey

Steven Soderbergh

WTF************************

Cine "holocáustico"

2009-03-05T18:42:00.000-08:00

Sucedió como lo esperaba. La adaptación al cine de la novela de Bernard Schlink, El Lector, cumplió con mis no expectativas. Me dejó la sensación de haber visto un drama de época típico, aburrido y seco (que paradójicamente puede arrancar mares de lágrimas). Pero al fin y al cabo sacié mi apetito cinéfilo y de paso terminé de ver una de las peores quintillas de películas nominadas al principal premio de la Academia en los últimos años.

Como de costumbre luego visité el sitio del crítico Roger Ebert en búsqueda de dobles o triples lecturas de la película. Por supuesto que el "salvavidas" Ebert expuso puntos con los que estoy de acuerdo, como que "no se trata sólo de una cinta sobre el Holocausto, sino de los secretos profundos y la vergüenza de contarlos", pero al fin y al cabo la reseña se dirigía al trasfondo dejando de lado la contrucción de la historia, que sigo reprobando.

Sin embargo, fue el último párrafo de la crítica lo que llamó mi atención. Dice así: "What would we have done during the rise of Hitler? If we had been Jews, we would have fled or been killed. But if we were one of the rest of the Germans?" ("¿Qué hubiésemos hecho durante el ascenso de Hitler? Si hubiéramos sido judíos, habríamos escapado o nos habrían matado. ¿Pero si hubiésemos sido uno más de los alemanes?").

Me cuelgo de la última interrogante expuesta por Ebert. Si fuese alemán, neutro al régimen nazi, y viviera inmerso en un contexto abusivo, hostil, dictatorial, ¿debería reaccionar tomando partido de alguno de los bandos, o simplemente dejaría que las cosas pasen?

Es de vital importancia que dicho cuestionamiento, con una consiguiente convicción, pase por la cabeza de todos los personajes que emigran al universo cinematográfico "holocaústico", para así generar nuevos matices y dobles lecturas en las acciones que estos realizan.

La cuestión pasó por la mente del Coronel Claus Philipp Maria Schenk Graf von Stauffenberg, militar alemán que formó parte de un plan frustrado que atentó contra Hitler y que históricamente se conoce como el "complot del 20 de julio" de 1944. Una vez descubierto, el coronel y su equipo fueron sentenciados y fusilados por alta traición al régimen del Führer.

Hoy la historia se repite. Bryan Singer llevó el acontecimiento histórico a la pantalla grande a finales del año pasado, producción duramente tratada por la crítica, tanto por su severa descontextualización de los hechos reales como por la acartonada actuación de Tom Cruise, quien encarnó al coronel Stauffenberg.

Tal vez los especialistas no notaron aristas nuevas en el personaje de Singer, solo preguntas al aire, inverosímiles y gratuitas. Se trató de un estreno traicionero al espíritu del buen cine "holocáustico". Y le valió un certero tiro de gracia.

Pay per view

2009-03-04T16:27:00.000-08:00

Un capellán y una monja discuten toda una pelicula porque ella cree que él abusa de un alumno negro con el que guarda cierta cercanía. Eso es lo explícito, pero como todos dudan, en realidad puede que estén ocultando un secreto de confesión muy bien guardado, sobre un grupo de ladrones que dieron un gran golpe al asaltar un banco británico. El problema es que parte del botín extraviado pertenecía a otros criminales, una ejecutiva y un anciano, quienes "no dejaron mancha" en el ilícito que cometieron. Lo que sí dejó marca fue el contenido del frasco que rompió el chofer del bus en el que arrancó el veterano luego conseguir el dinero, el mismo recipiente donde alguna vez Rudo, hermano de Cursi, guardó las ganancias que el fútbol le brindó.

Por supuesto la historia que conté no existe. Sólo pido que guarden los derechos de autor.

La semana pasada se estrenaron cinco largometrajes y tuve la suerte de alcanzar a verlos todos (*) . De estrenos tienen poco (en el sentido de premiere, primera presentación) ya que todas son realizaciones del 2008. La menos tardía fue la mexicana Rudo y Cursi, lanzada en diciembre pasado en su país de origen. Pero a pesar del atraso la cartelera semanal estuvo sobre la media en calidad cinematográfica. Eso significa mucho en tiempos de pseudo-vampiros que no asustan ni a ridículos chihuahuas parlantes.

Luego de varias semanas fascistas en cuanto a qué películas ver (estos premios Oscar "inculcaron" hasta al menos cinéfilo las cintas nominadas a la estatuilla) por fin se democratiza el asunto y la elección vuelve al espectador. Eso hasta que se acerquen los nuevos dictadores de la cartelera. Sólo pensando en ellos la libertad cinéfila comiena a coartarse. Watch..., Terminat..., Transfo..., Harry... puaj.

(*) 4 de las 5 películas se preestrenaron en el pasado Festival de Cine de Las Condes.

La Duda (2008)
Título original: Doubt
Dirección: John Patrick Shanley (Joe contra el volcán, 1990)
Reparto: Philip Seymour Hoffman, Meryl Streep, Amy Adams, Viola Davis.

Opinión: (4,5/5) Impecable. Imparcial en lo imposible. Respeta cualquier punto de vista. Hay veces que hacen falta peliculas atrevidas como esta, que tocan temas difíciles sin caer en el morbo folletinesco. Una de las mejores de la temporada.

El Gran Golpe (2008)
Título original: The Bank Job
Dirección: Roger Donaldson (13 Días, 2000)
Reparto: Jason Statham, Saffron Burrows.

Opinión: (3/5) Si los últimos estrenos cinematográficos sobre robos me habían dejado la sensación de haber sido "asaltado" al terminar de verlos (2da y 3ra parte de las Grandes Estafas), resulta paradójico que aquél con peor título y actor protagónico "de cartón" me entretuvo hasta el final, llegando al punto de entusiasmarme para investigar sobre el hecho real sobre el que esta basado. Pedirle algo más que entretención a Jason Statham y cia es tan absurdo como dejar libre el paso a la bóveda de un banco. Apuesta Segura.

El Frasco (2008)
Dirección: Alberto Lecchi (Nueces para el amor, 2000)
Reparto: Darío Grandinetti, Leticia Brédice.

Opinión: (3/5) Lo macabro de realizar una película romántica es que el director no puede darse licencias a la hora de enfrentar a sus personajes en su primer encuentro amoroso, ya que es ahí donde el espectador define si la química romántica le gusta o no. Lo anterior, claro, va dirigido hacia aquellos convencionalistas del género. Se agradece en ese sentido lo jugada que es "El Frasco" en el uso de sus personajes principales, quienes demuestran completa autonomía y simplezas más cercanas al mundo real que al prefabricado por Hollywood. Arriesgada.

Un Plan Brillante (2008)

Título original: Flawless

Dirección: Michael Radford (Il Postino, 1994)

Elenco: Demi Moore, Michael Caine.

Opinión: (2,5/5) Haciendo caso omiso de su título, Un Plan Brillante tiene manchas en cómo está contada. Por momentos hipnotiza pero, al igual que sus protagonistas, se deja llevar por la ambición de una narración que comienza y finaliza con una situación de adorno. Mucho estuco. Para Moore y para el film.

Rudo Y Cursi (2008)

Dirección: Carlos Cuarón

Elenco: Gael García Bernal, Diego Luna, Guillermo Francella.

Opinión: (3,5/5) Post anterior.

Cha Cha Cha

2009-02-26T14:44:00.000-08:00

A veces ruda, de momentos cursi, esta es una historia que raya en el cliché del pobre que de un día para otro se convierte en rico, pero que no cae en el completo estereotipo por el consumado talento de sus protagonistas. Luna y Garcia invierten sus roles de "Y tu mamá también" con un resultado que los confirma como la dupla latina del momento.

Entretenida.

Trailer

La historia sumergida

2009-02-25T19:47:00.000-08:00

Un ejemplo de historia bien contada. Realizado por un japonés, con título francés, cuenta la aventura de un solitario anciano que extravía su pipa y en su busca se sumerge en recuerdos de un pasado que poco a poco ha ido cimentando bajo el mar.
Un excelente y emotivo trabajo en que el polvo que cubre los recuerdos es reemplazado por burbujas.

La Maison en Petits Cubes (2008)
Premio de la Academia al Mejor Cortometraje Animado

contenido removido

click acá para descargar

Y los demás candidatos fueron:

Lavatory Lovestory by Konstantin Bronzit (Rusia)

Oktapodi by Julien Bocabeille and François-Xavier Chanioux (France)

Presto by Doug Sweetland (USA)

This Way Up by Adam Foulkes & Alan Smith (England)

Desvío (¡Cine sin salida!)

2009-02-24T18:19:00.000-08:00

Todavía con la resaca de los premios Oscar me queda espacio para seguir reflexionando sobre los ganadores. Slumdog Millionaire fue la indiscutida triunfadora (y la más obvia). Todos los galardones fueron absolutamente predecibles, salvo Penélope Cruz, Sean Penn y Departures (Okuribito, 2008), película japonesa que ganó en la categoría Mejor Filme Extranjero.

Pero a pesar de tales excepciones, mi opinión es que la premiación está girando hacia rutas equívocas. Desde hace algunas temporadas los premios del tío Oscar ya no tienen el suspenso de antes, que los hacía anfitriones de grandes cintas que a veces pasaban desapercibidas por el público general. Ahora es muy fácil tener todas las nominadas a la mano (comprándolas en la cuneta o bajándolas), verlas antes de la ceremonia y apostar por las ganadoras. Sin duda es un proceso paradisíaco para cualquier cinéfilo, y no hay nada que satisfaga más el ego durante esta estación que estar al día con las nominadas al premio Oscar. Con todo, estar actualizado en lo que a cine hollywoodense se refiere también trae sus contras. El principal es que se deja de ver cine al azar. La libertad plena de hacer zapping en el cable y encontrarse con un bodrio o con una joyita es una experiencia que se deja de lado en período de premiaciones.

El fin de semana pasado me topé en el canal AXN con dos bodrios (uno bueno y otro malo) que me liberaron de la fiebre de especulaciones alrededor de los oscar. Wrong Turn (Camino hacia el terror, 2003), y su secuela hecha para televisión, Wrong Turn 2: Dead End (2007). Fue un alivio verlas desligado de expectativas. Por supuesto que no esperaba dos obras maestras, tan sólo exigía un poco de libertad cinéfila.

Tal vez eso le falta a los premios oscar, libertad, más licencias. Desviarse de la ruta a veces hace bien. Sino pregúntenle a este grupo de adolescentes quienes caen (¡dos veces!) en manos de caníbales frekis.

Camino hacia el terror (Wrong Turn) (Escenas rescatables)

2008: ¿Chile Puede?

2008-01-03T12:02:00.000-08:00

Hoy es el primer estreno nacional del 2008 y me gustaría pensar que Chile Puede. Que SE la puede. Que la primera película chilena de ciencia ficción dirigida por Ricardo Larraín tiene las agallas de pararse frente a las monumentales producciones norteamericanas de naves espaciales y derivados.

Pero es mucho el precedente que juega en su contra.

De partida su objetivo. En una reciente entrevista en Emol el director dijo que su obra "más que una comedia espacial, es una película familiar". A mí me parece un desafío muy personal del cine chileno buscando probar no se qué a una audiencia insatisfecha hace años con la industria fílmica nacional. De que va dirigida a un público masivo está más que claro, muy masivo diría yo.

Otro hecho fatal es su sinopsis. Una suerte de Apollo 13 chistosa, complementada con imágenes de archivo de Cabo Cañaveral y de fondo la suite clásica Also Sprach Zarathustra de Strauss que da inicio a una de las mejores cintas de todos los tiempos llamada 2001: A Space Osyssey.

Y para rebalsar el vaso tenemos de protagonista a Boris Quercia, un comediante chileno de prestigio hasta su última intervención en el séptimo arte, ese bodrio de película El Rey de los Huevones (La Reina de las Huevadas, estaría mejor). Espero que acá su personaje de Guillermo Zúñiga (lo siento, padre) no sea un huevón tan mal hecho y poco creíble como el que se autocoronaba rey de los idiotas.

Y usted lector,

¿Cree que Chile Puede?

Consejos de cinéfilo

2008-01-03T11:34:00.000-08:00

Razones de por qué no vivir sólo en un departamento

- Se piensa mucho
- Se desordenan los horarios
- ¿Se come?
- Sí, pero se toma más
- Si fuma, vive inmerso en una constante nube de humo
- Siempre le reclaman por la música (lo peor)
- Convivir con Soledad tiende a aburrir (cuando abre la puerta de su casa, ¡no siente ningún ruido!)
- La almohada estará muy dispuesta a escuchar sus problemas, ¡pero no habla!
- Siempre le pedirán el local para hacer carretes (y es uno el que ordena)

Razón de por qué vivir sólo en un departamento

- Poder ver tranquilamente una de las mejores comedias románticas de todos los tiempos.

El Departamento, de Billy Wilder

Disponible en Club DVD
Paseo Las Palmas 2209, Local 21, Providencia (Metro Los Leones)

The Apartment (1960) Trailer

Transantiago (o la adaptación chilena de Transamerica)

2007-12-19T18:21:00.000-08:00

Ayer vi Transamerica (2005), y gracias a su magistral y perfecto título mi cerebro ordenó un par de ideas y ya está: voy a empezar a escribir lo que será mi primer corto, se lleve o no se lleve a cabo. Transantiago le pondré, sí, así de simple, igual que nuestro hermoso sistema de transporte capitalino.

Transantiago tendrá una clara reminiscencia a la película en que se basa, especialmente pondré énfasis en su título. Si la versión gringa trata de un transexual que, acompañado de su hijo, atraviesa de este a oeste el país norteamericano, la versión criolla también tendrá a un travesti como protagonista pero este sólo tendrá que lidiar con un paseo por la capital, arriba de nuestro transporte estrella. Y solo. Además este tipo no traerá consigo un historial tan depravado como el de Felicity Huffmann y su hijo en Transamerica. Será travesti porque sí, no caerá en el cliché de las consecuencias familiares que tanto sobrexplotan los argumentos de las películas centradas en el tema psicosexual.

Ese será el eje central de mi corto. Entremedio irán episodios sobre enredos de recorridos, líos sexuales y disputas de identidad. Una mezcla de de temas que complementarán una historia sencilla en menos de 10 minutos. En fin, todo lo que pudo ser Transamerica, la película que vi ayer y que fue nominada en los pasados premios Oscar ´07.

Por supuesto intentaré usar un mejor soundtrack que la original, la que recibió hasta una nominación por mejor canción original, de manos de la veterana intérprete de country Dolly Parton. Bueno, tengo un buen doble para ella, Sarita Vásquez.

Espero tenerles luego noticias de mi primer proyecto audiovisual. Eso, si es que nuestro sistema de transporte no se transforma en algo peor en los próximos meses. Ya sería el colmo. Pero retomaría fuerza el concepto que quiero acuñar en mi trabajo.

Transvestiago, como alguien dijo por ahi....

Cine que trasciende

2007-10-27T21:07:00.000-07:00

Si la dispersión permite hablar sin tapujos y mantener la mente abierta para cualquier tipo de críticas es cierto que también trae aspectos negativos, como no tener una identidad propia ni menos una convicción en algo que creer. Bueno, esto aplicado al cine dentro la disyuntiva pasatiempo/arte también tiene sus pros y contras. Cuando se ve mucha película olvidable, por su misma condición de comercial se le atribuye la calificación de mala, liviana e intrascendente. Al contrario, al ver una cinta de peso, ya sea de gran contenido intelectual, técnico o ambos, el juicio tiende a elevarla a nivel de insuperable ("la mejor que he visto") como suele pasar con el cine de autor, tan extinto en estos días.

Hace un tiempo conocí al director Eric Rohmer (sus películas, quiero decir) uno de los mentores de la corriente cinematográfica denominada Nueva Ola Francesa (La Nouvelle Vague) surgida a principios de los años sesenta por los cerebros creadores de la prestigiosa revista de cine francesa Cahiers du Cinema. Rohmer, junto con Francois Truffaut, Jean Luc Godard, Claude Chabrol decidieron ir por un cine de peso, donde lo que se muestra prevalece sobre lo que se dice o se ve. Mostrar en el sentido de explicar conjuntamente a través de imágenes y diálogos los problemas de la cotidianidad del ser humano, tales como la existencia, el amor, la vocación, en fin, todo lo que implique relaciones humanas.

Con sus Cuentos Morales primero, luego con la serie de Comedias y Proverbios, y al final con los Cuentos de las Cuatro Estaciones Rohmer intenta descifrar la naturaleza humana en todos sus aspectos. Pero lo más interesante de sus proyectos es que rara vez caricaturiza a sus personajes, siempre sobre la base de que estos pueden cambiar repentinamente su prototipo de vida.

No sé si fue un error entrar al universo rohmeriano en la mitad de su obra, es decir en la serie de Comedias y Proverbios, más específicamente con El Rayo Verde y Paulina en la Playa, pero tengo la seguridad de que su obra anterior no prescinde de la calidad de estas dos cintas, que tienen por absolutas protagonistas a las mujeres y su libertad.

El Rayo Verde (basada en una novela de Julio Verne) nos presenta a Delphine, una mujer parisina que sale de vacaciones y que se ve acomplejada porque su compañera de salida la cambió por otro panorama. Ante la soledad, Delphine no haya lugar alguno donde establecerse, viaja de un lugar a otro siempre insatisfecha y el recuerdo de su antiguo novio ensancha la grieta existencial que la absorbe. Pero, y hacia el final de la película, Delphine hallará un pequeño rayo de alegría mientras espera el tren de vuelta a su hogar.

Por su parte, Paulina en la Playa (filme más convencional que el otro, por su estructura inicio, clímax, descenlace) se centra en las vacaciones que la joven Pauline emprende con su tía Marion, una estupenda treinteañera a punto de divorciarse, quienes se enseñan mutuamente sobre amores y madurez, mientras dos hombres pasan a jugar parte importante de sus vidas (ya sea por un rato o un poco más). Acá Rohmer también indaga en la mente masculina, pero sólo sobrevuela el leve arquetipo del hombre superficial, vivencial e incomprometido. Salvo el inocente Sylvain, quien se siente atraído por Pauline, pero a fin de cuentas no tan inocente.

En ambos filmes las mujeres ganan. Algo, pero ganan. Un final más trivial que el otro, pero con todo sigue siendo un cine repleto de vida, uno que muestra y sugiere para que después de las dos horas nos quedemos pensando en cómo cabemos dentro de esa ficción tan cercana a lo real.

Ambas disponibles en Bazuca.com

Otra dosis de Cultura Popcorn

2007-08-27T20:15:00.000-07:00

Nuevamente la droga es fuente de cine. Ejemplos como Pánico y Locura en Las Vegas, Limpio y Sobrio, Less Than Zero y Requiem por un Sueño son sólo algunos de los estupefacientes con los que el séptimo arte ha alimentado su adicción al género. O subgénero, mejor dicho.

Esta vez la drogodepencia recae sobre una cinta independiente norteamericana, estrenada la semana pasada en USA y escrita, dirigida y protagonizada por uno de esos que yo llamo "valientes" jóvenes que se atreven a estudiar cine apenas terminan el colegio. Su nombre, Monty Lapica. Su obra, Self Medicated.

Cuando niño soñaba con ser jugador de béisbol o agente del FBI. Pero, y con sólo 21 años, Lapica supo que quería dedicarse a hacer películas. A los 24 se graduó de la Magna Cum Laude from Loyola Marymount University School of Film and Television (sácate un nombre) y su ópera prima ya bordea los cuarenta galardones, incluidos el Premio Especial del Jurado en el Festival Independiente de Roma, mejor película en el Australian International Film Festival y el Prism Award 2006, este último festival relacionado con la rehabilitación de jóvenes drogadictos.

Basada en hechos reales, Self Medicated (que seguramente se llamaría Perdiendo el Control, si es que llegara a pasar por nuestras salas) trata sobre Andrew, un joven de 17 años que debe lidiar con la muerte de su padre, sumergiéndose en las drogas, bla bla bla... Para no perderlo, su madre contrata a una compañía para que lo rapte lo confine en un psiquiátrico, lugar donde los abusos y la corrupción le darán a Andrew las esperanzas de redimirse y cambiar de vida, al menos, lo que queda de ella.

Sonó a cliché. Mucho. Esperemos que los premios le inyecten algo más.

Se dijo, se escribió:

Self-Medicated is an extraordinary portrait of redemption and personal triumph over hardship that "packs a startling punch" (Variety).

"Raw, unmannered intensity... Self-Medicated is just what the doctor ordered" (Hollywood Reporter).

Self Medicated Trailer

Lluvia Anfibia

2007-08-09T18:41:00.000-07:00

Nos cayó como ranas. Como plaga. Pero fue perfecto.

La nieve que ayer invadió Santiago - y Chile entero - fue al más puro estilo de la purificación bíblica que la película Magnolia muestra en sus partes finales. Una catarsis que removió por varias horas todas las impuresas interiores de miles de personas.

Ranas aplastaron al Transantiago, escondieron la corrupción y acallaron las manifestaciones de los subcontratas. El parche curó la herida. Por un rato, sí.

It's not going to stop /
It's not going to stop /
'Til you wise up...

De verdad no paraba, ni se veía que lo fuera a hacer
Faltaba que nos dieramos cuenta que hacía falta limpiarnos,
como lo dice Aimee Mann en su canción.

Ayer, 15 millones de personas se vieron "afectadas" por la nieve, para bien o para mal; mucha gente la observó, otra la sufrió; varios no querían que se fuera, multitudes la tuvieron que sacar para poder dormir. Pero no hay disenso en que a todos nos liberó de aquello que nos aquejaba: pesimismo.

¿Qué pasó ayer? Cayeron ranas, no nieve.

Fue una intensa lluvia de renacuajos, improbable e inclasificable.

A mí me destrabó las esposas que tenía para escribir. Hace más de un mes que no actualizaba. No sé porque pasó. Si las ranas hablaran...

Bueno, no tengo mucho más que decir. Y como este blog trata de no caer en clichés, prefiero mantenerme en la rutina de que mañana será otro día, igual que siempre, donde el tiempo correrá rápido, sin hacer del día algo objetivamente definido.

Y la nieve de ayer se derretirá, mejor dicho "las ranas se desangrarán"...

"Podemos haber acabado con nuestro pasado,
pero el pasado no habrá acabado con nosotros".

Aimee Mann - Wise Up

y la lluvia de ranas ...

Mi madre y Yo

2007-06-28T23:11:00.000-07:00

Jonathan Caouette registró con fotos, cintas y filmaciones la historia de su madre y, cómo, lo que le sucedió a ella, repercutió directamente en él a lo largo de su juventud.

Pero lo que él nunca previó fue que la crisis de personalidad que tanto lo aquejaba, terminaría siendo el pilar de un documental completamente íntimo y visceral, una experiencia chocante para quien la viera, un retrato apasionante sobre las secuelas que la vida impregna sobre las personas.

¿Habrá querido mostrar eso cuando lo realizó? ¿Es correcto ser así de realista o es que Tarnation raya en el morbo? Caouette dice que así ocurrieron las cosas, y su madre lo avala.
En estos casos interesa y trasciende más la opinión del espectador.

Esta es parte de su historia.

Había una vez en un pueblo de Texas

al principio de los años 50,

un hombre muy bueno

que conoció a una mujer muy buena

Él, Adolph y ella, Rosemary

se enamoraron y se casaron

tuvieron una pequeña niña preciosa

Renee

todo en sus vidas era

Luminoso

Feliz

y prometedor

Adolph tenía un comercio próspero

Una pequeña tienda familiar

Con 11 años,

Renee fue descubierta por un famoso fotógrafo

de Nueva York

que pasaba por este pequeño pueblo de Texas

Este fotógrafo hizo de Renee

una modelo joven y famosa de provincia

Apareció en programas infantiles,

en revistas de moda,

y en un conocido anuncio de TV.

Cuando Renee tenía 12 años

todo en su vida se volvió triste

Renee jugaba en el tejado de casa

Renee saltó...

y cayó sobre sus pies sin doblar las rodillas.

Renee quedó paralítica

seis meses

Rosemary y Adolph se preguntaban

si la parálisis no estaría dentro de su cabeza

Un vecino amigo de la familia

aconsejó a Rosemary y a Adolph

que la sometieran a electroshocks...

Dos veces a la semana

durante 2 años

A lo largo de su tratamiento

Renee conservó su belleza

Al acabar el tratamiento

quiso salir a la calle

y sintió como si el sol

fuera a evaporarla

...

lo demás se puede arrendar.

Monologue

Tarnation Trailer

The (Wea)ker Man

2007-06-16T18:15:00.000-07:00

Dicen que coser un mueble con mimbre es un trabajo de chino. Me imagino. Intentar enebrar esa fibra gruesa debe ser agotador.

Bueno, para qué ese super gancho, para hablarles de la última película que vi, The Wicker Man (Pacto Siniestro) estrenada hace un par de semanas en nuestras salas de cine. En realidad en cuanto supe que iba a salir averigué que era un remake de una pieza cinematográfica de culto estrenada el año 1973, ópera prima - y pareciera que también póstuma - del desapercibido director Robin Hardy.

Así que ya informado me dirigí inmediatamente a los sitios de descargas que siempre utilizo y bajé la original (¡encontrar los subtítulos fue un suplicio!).

The Wicker Man (1973) comienza con un policía inglés que viaja a la isla privada de Summerisle en búsqueda de la desaparecida niña Rowan Morrison, a quien misteriosamente todos en la isla desconocen y nadie sabe de su existencia. Como lugar común, el sargento Howie en su estadía va destapando secretos que la población de Summerisle esquiva a como de lugar, sin darse cuenta de que el verdadero misterio no está en la pequeña perdida, sino en las extrañas costumbres de los isleños. Es así como Howie presencia las más bizarras costumbres de un pueblo que hace rato dejó de creer en Dios, y que no hace más que adorar figuras fálicas y rendirle culto a la reencarnación a través de rituales sexuales, que no dejan de ser interesantes.

Eso en cuanto a la original: El Hombre de Mimbre ya está en suelo firme. El año 78 se coronó como la mejor película de terror con el premio Saturno (el Oscar del cine de ciencia ficción, fantasía y terror) y además se erigió como una gran película - de culto - de los setenta, repleta de un terror desconocido hasta entonces (existencial) y adornada con los tintes propios de la época: las melodías como parte de la narración y el destape sexual de la era post-hippie.

Pero los nudos que tan bien ataron al muñeco de Hardy en los setenta, se quemaron (literalmente) con el remake del 2006.

En la versión que protagoniza Nicolas Cage el director no sabe con qué efectos lograr asombro en un espectador escéptico hasta el final de una historia indecisa entre los géneros de terror, suspenso, thriller, y hasta comedia (ver video más abajo).

Si bien en esta burda adaptación se nota una gran producción en cuanto a los parajes y a la fotografía, el argumento, antes considerado una historia oscura y original, acá no hace más que agregar datos inconexos que alargan una aburrida trama hecha y derecha para Cage, quien últimamente gusta de manchar su currículum con proyectos que terminarán por borrar de la memoria cinéfila sus notables papeles en Corazón Salvaje o en El Ladrón de Orquídeas.

Como dijo Antonio Martínez en la crítica que le hizo a The Wicker Man en la revista Wikén: "Nicolas Cage cobró el sueldo pero no pensó en la construcción del personaje y nadie lo obligó a hacerlo". Claramente nos encontramos frente a una esteoritipada marioneta de Hollywood, un hombre en decaída, un Weaker Man.

Para quien muestre interés en ver la original, haga click acá, sólo si dispone de un programa para descargar torrents.

Y para conocer la particular banda sonora de esta joyita del cine, diríjase al blog www.engustostodoescrito.blogspot.com

The Wicker Man - TV Spot (1973)

The Wicker Man (2006) - Comedy Trailer

Sabroso suplicio

2007-05-18T07:57:00.000-07:00

Debo reconocer que la película Hard Candy fue una experiencia para chuparse los dedos, un caramelo desabrido que mantuvo el mal gusto casi hasta el final, salvo por:

Su desagradable protagonista mujer. A veces creíble, pero a ratos inverosímil, para tratarse de una niñita de 14 años. Algunos críticos han catalogado a esta joven actriz (Ellen Page) como la Haley Joel Osment versión niña.
A pesar de que nunca me logró convencer por completo, igual tengo que decir que el personaje es notable. Yo creo que siento cierta sana envidia por sus certeros parlamentos.

La incómoda sensación de sentirse castrado. ¡¡Qué tenso se pone el ambiente cuando comienza la operación!! En realidad, esto sí le da sabor. Pero he visto mejores. Peores, perdón.

La actitud pasiva del fotógrafo, teniendo un historial tan oscuro. Acá es donde se cae un poco el argumento. ¡Qué polola!, ¡qué musa!, ¡qué muerta! La historia nunca se decide por uno de los cabos atados que el tipo tiene que resolver.

Que mencionen más de tres veces a Goldfrapp y no pongan ninguna de sus canciones. Pretención sólo mía.

Y, sólo un detalle, su COBARDE desenlace. Es casi tan absurdo como la participación secundaria de Sandra Oh como la vecina.

Con esos cinco sinsabores que le faltan, Hard Candy no sería tan difícil de tragar.

Hard Candy (trailer)

Posters de Grindhouse

2007-05-07T00:37:00.000-07:00

La influencia es clara. Ahora habrá que ver los resultados.
GRINDHOUSE
Estreno en Chile (dudo que sea luego)

A propósito de Grindhouse (o lo nuevo de Tarantino con Rodríguez)...

2007-04-17T11:22:00.000-07:00

Advertencia: Lo que viene a continuación es material de alto contenido explícito, especialmente las sinopsis publicadas. El que no gusta de la sangre, el sexo o el morbo, mejor no continue leyendo.

Llevo casi una semana corrompiendo mi persona. No exagero, verán. El material cinematográfico que he visto en los últimos días debiera censurarse hasta en Holanda.

Me refiero a las exploited movies, género popularizado en las décadas del 70 y 80, donde abundaban el sexo, la violencia y el gore. Lo que importaba era mostrar sin profundizar, lucrar a costa de chocantes imágenes que estremecieran hasta al más atrevido de los mortales.

Para esta categoría de filmes no existe una traducción literal al español, pero corresponden a películas en las que el contenido artístico va muy por debajo de la promoción que se les hace a éstas, vale decir, se las "explota" y saca partido mediante la publicidad con que se dan a conocer, con un fin más taquillero que artístico. Si no me creen o entienden, les pongo lo que dice Wikipedia al respecto: "Películas hechas con poco o nada de calidad en lo artístico pero con un ojo en la rápida ganancia, generalmente vía impresionantes ventas y técnicas de promoción enfatizadas en algún aspecto sensacional del producto".

Pero, en aquella época ¿quién osaría mostrar este tipo de material? Para eso existían los cines Grindhouse (nombre que da título a la nueva película de Quentin Tarantino junto con Robert Rodríguez) recintos donde se exhibía contínuamente cine B prohibido, y que paradójicamente fue perdiendo influencia mientras la sociedad se volvía cada vez más tolerante. Ahora estos lugares están tan olvidados como el cine Lido de Santiago.

Grindhouse, la película (léase graindhouse), homenajea lo que estos cines en el olvido solían proyectar. Ambos directores demuestran su fanatismo sobre el género abarcando algunos de los bizarros temas que inspiraron a los creadores del cine exploited. A continuación les dejo algunas de las sub sub temáticas que hicieron del grindhouse un cine que merece ser digerido. Con derecho a vómito, por supuesto.

Black Explotation o Blaxploitation (o filmes donde hay un negro (a) cabrón (na)): Lo marcan películas como Sweet Sweetback's Baadasssss Song y Foxy Brown, esta última protagonizada por Pam Grier, quien fue rescatada por Tarantino en la sobrevalorada Jackie Brown. En pocas palabras estos filmes tiran más pinta setentera que argumento. Las bandas sonoras que tienen son de colección. Funk al estilo Isaac Hayes.

Foxy Brown trailer
http://www.youtube.com/watch?v=0NTu2UcYP38

Shock exploitation o Shock films (o de esas que te dejan la conciencia asquerosa pensando en por qué la viste): Acá se ubica la mayoría de lo que se mostraba en las casas grind. The Last House on the Left, The Hills Have Eyes, I Spit On Your Grave, Assault on Precinct 13, son algunas de las que te satisfacen cuando te ha quedado gustando tirar al gato patas para arriba desde el quinto piso de un edificio.
Recomiendo The Hills Have Eyes (que tuvo un pésimo remake el año pasado). Se trata de una familia gringa que viaja en una casa rodante por el desierto yanquee. Todo va bien hasta que se les pincha un neumático y oscurece. Interesante, ¿no? Sólo disponible en torrents, o en mi casa.

I Spit On Your Grave trailer
http://www.youtube.com/watch?v=I9r9R5OwR4o

Assault On Precinct 13 trailer
http://www.youtube.com/watch?v=6PWyMHLXA7k

The Hills Have Eyes trailer (1977)
http://www.youtube.com/watch?v=mbbhrgcPoxo

Cannibal Films: Como su nombre lo dice están son películas sobre antropófagos, pero de los que nadie nunca imaginó. El trofeo lo tiene Holocausto Caníbal (1980) que, literalmente, se trata de cómo los come-hombres arrasan con los omnívoros. La dirige el italiano Ruggero Deodato, un experto en el tema, de quien no dudo que haya probado la carne humana. En una breve reseña, se trata de un grupo de documentalistas gringos (para variar) que se adentran en el pulmón verde de la tierra para conocer a las tribus indígenas que habitan la restringida zona El Infierno Verde. El problema viene cuando este grupito de nenes remueve el hábitat de estos aborígenes, sin darse cuenta de que éstos solucionan sus problemas "como indios".

El que leyó la advertencia y sigue aquí es porque es un curioso, así que no se queje.

Cannibal Holocaust trailer

Splatter Films: Películas donde el cerebro sirve para todo menos para pensar. Sesos desparramados por el suelo son un cuadro de Rembrandt al lado de lo que aquí se muestra. La influencia de los cuentos de H.P. Lovecraft es notoria, siendo la película Re-Animator, basada en una de sus creaciones, uno de los símbolos del subgénero. Este tipo de películas son homenajeadas por directores como Peter Jackson pre-trilogía anular, con su Muertos en Vida (Braindead - Dead Alive).

Re-Animator trailer
http://www.youtube.com/watch?v=UCM7oG9UGKc

Películas de Darío Argento: Padre de las Slasher films (más abajo), que generó impacto mundial con Suspiria, su film más conocido. En su obra tiende a mostrar el horror desde un punto de vista extraño, hecho para ser disfrutado no sólo por el miedo que pueda generar con las imágenes, sino con el ritmo que le impregna a las escenas suspensivas. Tan particular es su visión acerca del horror que utiliza música progresiva para marcar los momentos de tensión, compuesta por el desconocido conjunto setentero Goblin. Otras de sus creaciones son Profondo Rosso y Phenomena.

Suspiria trailer

http://www.youtube.com/watch?v=sVZLoWb6nJs

Profondo Rosso (Deep Red) trailer

Slasher films: cintas donde un sicópata que camina como aturdido tiende a destozar a sus víctimas pudiendo matarlas tan sólo pegándoles un tiro en la cabeza. La Masacre de Texas, Halloween, Viernes 13, Pesadilla, son las más rescatables. Ahora se hace pura mugre sobre esto.

Old Exploited Movies (o cómo el blanco y negro a veces también puede ser inmoral). Aquí las historias tienen más contenido, pero a la hora de los efectos especiales, los tintes de sangre y las voladas de cabeza, la risa nubla cualquier sesgo de thriller que la película pudo tener. Destacan las producciones de Russ Meyer, como Faster Pussycat. Kill! Kill!, y Camisa de Fuerza.

Faster, Pussycat! Kill! Kill! trailer

http://www.youtube.com/watch?v=KC6KTuplIDU

GRINDHOUSE trailer

ReCiclando

2007-03-23T09:30:00.000-07:00

Todavía no puedo levantar el telón del Ciclo de Cine Uandes 2007. Me faltan temas. Me hizo mal dejar de ver una película diaria. Bueno, no imaginé que algún día me iba a tocar organizar esta cuestión. Pero calma. Para eso existen los blogs. Para compartir ideas.

Les dejo este post para que manifiesten aquellos ciclos de películas que alguna vez hayan pensado, o que hayan visto, da lo mismo, cualquier inspiración sirve. Traten de sintetizar los temas que más les gusten en cuatro o cinco películas que lo reflejen claramente. Mafia italiana, viajes en el tiempo, conflictos entre países, moda de alguna década, en fin, algún subgénero digno de ser proyectado en una universidad "políticamente correcta".

Ojo con eso. La Cenicienta con mensajes subliminales, a lo Tyler Durden, no, por favor.

Gracias.

OSCARsese

2007-02-25T13:46:00.000-08:00

La septuagésima novena entrega de los premios más conocidos en el mundo del cine, los premios Oscar, tendrá lugar hoy, en el teatro Kodak de Hollywood, como ya lo ha hecho hace varios años.

Como siempre, será una ceremonia con altos y bajos, aciertos y desaciertos, caras largas y rostros alegres, agradecimientos concisos y otros eternos, videos-collages con recopilaciones de imágenes que nos harán recordar aquellas películas que hemos visto, reconocimientos a la trayectoria (por fin, Morricon), un animador (ra) hablando a mil por hora contando chistes fomísimos para hacer más amena la velada, etc, etc, etc. En fin. No hay mucho de nuevo que tenga esta entrega de los oscar. Salvo una cosa, por lo menos para mí. Que Martin Scorsese no quede nuevamente con las manos vacías y que al fin se lleve el trofeo por mejor dirección.

Los otros premios poco me importan. De la quintilla a mejor película sólo he visto dos, pero aunque las hubiera visto todas dudo que mi postura se movería de Los Infiltrados. Por algo apoyo a Scorsese para ganar en dirección, sino no tendría sentido. Aunque muchos los desmientan, Mejor Película y Mejor Director van muy ligados.

Este post lo hago porque acabo de repetirme Calles Peligrosas de Scorsese (Mean Streets, 1973), que compré el año pasado y que considero su primera gran obra.

Mean Streets reza su título original, que quiere decir calles principales, calles expuestas...calles peligrosas. En pocas palabras, trata de cuatro mafiosos de poca monta que viven al margen de la ley en la Pequeña Italia de Nueva York. "Johnny Boy" Civello (Robert De Niro) y Charlie Cappa (Harvey Keitel) son los dos principales del grupo, y tienen una relación muy peculiar. Charlie cuida de Johnny Boy como si fuera su hermano chico. De Niro tuvo aquí su primera experiencia con el director ítalo-americano, y por lo que se ve, actúa como los dioses. A mí me llegó a sacar risas con sus conversaciones idiotas con su par Charlie. Creo que esta interpretación es más divertida que la del padre de la novia, en Meet the Parents. Bueno, como decía antes, Charlie cuida de él como a un cabro chico, porque en realidad Johnny tiene todo para serlo: irresponsabilidad, libertinaje y desmotivación. Es un vividor, tildado por sus parientes de loco, que necesita del cuidado de otros para mantenerse en pie. Si lo olvidan, se muere. Por el contrario, Charlie organiza su vida: espera administrar un restorán que le cederá su tío y dice no estar enamorado, pero sí lo está, de la prima de Johnny. El problema es que estas dos cosas chocan entre sí. Charlie no quiere contar de su amor por Teresa a nadie, ni siquiera a su amigo, y menos a su tío, quien dice que ella está completamente chiflada.

Con este drama, pero siempre acompañado de diálogos muy entretenidos, que marcaron el estilo Scorsese a partir de esta película, Calles Peligrosas desentraña la cruda vida del ciudadano medio bajo de la Nueva York del sesenta. El humo mezclado con una tenue luz rojiza al interior del bar de uno de los del grupo dan cuenta de la sordidez que vivía estos tipos. Uno de ellos es el mismísmo Scorsese, irreconocible. Espero que este si sea el año Oscarsese. De lo contrario dejará de hacer películas, convirtiéndose en lo que sus personajes más odian: ser perdedores.

Mean Streets Trailer

Y una sorpresa...

Un corto que el italiano hizo para sus estudios...

What's a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This (1963)

Herencia de Familia

2007-02-19T20:32:00.000-08:00

Roger Ebert, en su prestigiosa sección de crítica de cine del Chicago Sun Times, versión online, dice que The Squid and The Whale (Historias de Familia, 2005, disponible en Bazuca.com y en Blockbuster) en su esencia es sobre "cómo salen a flote - o en el caso contrario, cómo se hunden - los rasgos que nuestros padres nos dejan, a medida que vamos creciendo". No puede ser más acertado lo que dice el columnista. Esta es una cinta claramente de genes, herencia, y carácteres recibidos por los hijos Berkman (uno de 10 y el otro de 16) quienes ven alteradas sus vidas, de manera muy extraña, luego de la separación de sus padres escritores, Bernard y Joan (Jeff Daniels y Laura Linney, respectivamente).

El primero, Frank, comienza a descubrir tempranamente su vida sexual a través de rituales de masturbación extrañamente graciosos, que desembocan en una entrevista entre sus padres y su profesora, quien les alerta sobre el extraño comportamiento de su hijo, pero del que no se ha comprobado su completa culpabilidad en la repartición de espermios por la escuela.

Bernard Berkman: How do you know they were both Frank's?
Ms. Lemon: Well, I suppose it's possible other kids are masturbating and spreading their semen around the school as well... It's possible, but, uh, somewhat unlikely.
Bernard Berkman: Oh, it happens, I'm sure, much more than we know.
Joan Berkman: Bernard, have you ever done anything like this?
Bernard Berkman: I'm not going to answer that.

El otro hijo, Walt, quien también tiene disturbios sexuales, más bien "problemas de potencia", acostumbra a plagiar a su padre no sólo en las citas literarias que le escucha decir, también lo hace en su forma de ser: es una fotocopia espinilluda y sabelotodo de su progenitor, más que hijo parece junior chupamedias. Y, no pudiendo ser más patudo, se adueña de la composición pink floydiana de Hey You, sello melancólico del álbum The Wall.

El quiebre de los cónyuges supone que se creen bandos en esta disfuncional familia. Frank adhiere en casi todos los aspectos a su madre, en cambio Walt, como lo dije antes, es la mugre de una uña de padre. Y así, con esta vida de recién separados, las situaciones se hacen cada vez más complejas e insoportables. Las irritables partidas de ping pong entre padre e hijo, los amantes "escondidos en el closet" de la madre, y la candente figura de una alumna de Bernard presente en su departamento, son algunos de los hechos que hacen de este cambio un desagrado.

Lo imparcial del filme lo hace, por ende, imperfecto, porque no se desliza por alguna solución ni nada por el estilo, sino que prefiere dejarnos mirar por el lado de la tenencia familiar, de los niños, de la "join custody blows". Son ellos quienes al final sufren las consecuencias, y quienes deben enfrentar un miedo que siempre los rodeó desde muy cerca. Walt se atreve y corre hacia el museo donde no se atrevía a mirar al calamar y la ballena luchando. Algo está superado. Pero no lo sabemos del todo. Que sea fue osado. Su padre no lo era. Los genes mutan para dar una personalidad.

Este es un producto independiente por donde se le mire. De partida el guionista es colaborador de Wes Anderson (La Vida Acuática, Los Excéntricos Tenenbaums, Ladrón que roba a ladrón), luego la música es lenta y armoniosa como lo son todos los soundtracks de Anderson. También se nota en la narración. Lenta pero segura podría decirse, aunque todavía pueden haber algunos que se queden dormidos pese a la corta duración que tiene. Y por último, su título original, The Squid and The Whale, un titular para pensarlo dos veces, de esos que a simple vista opacan la calidad de una película, pero que después sobresalen más que otros como Básico y Letal o El Guardián. Si ustedes me pidieran que les diera mi interpretación acerca de éste, no me quedarías más que mudo. No sería nada más que otro desabrido calamar devorado por una exigente ballena. Y eso es lo que algunos visitantes me han hecho creer este último tiempo.

The Squid and The Whale (Trailer)

Tennis Match

Rocky Babea

2007-02-11T17:31:00.000-08:00

Más de alguna vez nos ha pasado (a lo que vemos películas) que al terminar de ver alguna, quedamos con ganas de saber que pasa más allá de la historia mostrada, o sea, con gusto a poco. Y si no es gusto a poco es querer más sabor, del mismo, aunque sean horas y horas acerca del mismo personaje, hasta quedar hartos de verlo. Bueno, para eso existen las tan mal miradas por la crítica secuelas, precuelas, remakes, etc, que aparte de convertirse casi siempre en éxitos de taquilla avasalladores (que a veces superan la recaudación de sus progenitores) tienen como segundo - y rebuscado - objetivo, darle el mismo tónico a una multitud enferma por ver más de lo mismo. Me considero 100% dentro de ese saco, sino no estaría escribiendo sobre Rocky Balboa, la SEXTA entrega cinematográfica acerca del boxeador amateur que se hizo camino entre sus pares para ser dos veces campeón de los pesos pesados, hablo del semental italiano, "The Italian Stallion" Rocky (Marciano) Balboa.

Es cierto que la franquicia de Rocky sabe mejor viéndola cronológicamente, pero en mi caso, sucedió lo contrario. O lo revuelto mejor dicho. Trato de recordarlo, pero creo que la primera que vi fue la 3ra, esa donde sale Mister T y sus numerosos colgantes carreteados desde la serie Los Magníficos (de la que acabo de cachar su nombre original, The A-Team, mish, qué ignorante). La película la encontré increíble, de lo poco que me acuerdo. Y ahí quedo la cosa. Hasta que La Red las transmitió todas y vi desde la segunda. Rocky original fue la última que vi. Pero a pesar del desorden, es la insuperable. Después estaría la 4ta, contra Ivan Drago, y de la 2 ni me acuerdo. Pero de seguro es mejor que la 5ta, con el pasta Tommy Machinegun, que, según leí en un artículo publicado en la última Wikén (por Antonio Martínez) anda "hasta el machinegun" con el sida galopante.

Y después de darles mi enredosa "experiencia rocky" llegamos al último combate estrenado en las salas. IMDB la recibió muy bien, bueno, sus miembros por supuesto. Le dieron en promedio casi 8 puntos de 10 en sus primeras semanas de estreno. Y la cosa no bajaba. Ahora bordea los 7,5 puntos, que no es malo para la sexta intervención de los golpes de Rocky en la pantalla grande.

Y el puntaje igual se justifica. No es por lo original, por supuesto, ni por la banda sonora, ni por las actuaciones, ni por la misma pelea final (que igual, está de lujo). Hay una razón fuera de pantalla, trascendental, un motivo allá afuera, en el propio recuerdo de la fanaticada de Sly y sus puños: melancolía cinéfila. Ocurrió con El Padrino en los 90 (1990 exactamente), con Superman recientemente, y ocurrirá con Rambo y Duro de Matar en un futuro muy cercano. La muchedumbre hambrienta de más y más producciones, comienza a notar que algo le falta, que algún personaje debe volver a sus peripecias de antaño, la gente quiere más de lo mismo.

Rocky Balboa es más de lo mismo, pero eso va al final, en la última media hora, cuando se debate en los puños con el invicto campeón a punto de ser olvidado Mason 'The Line' Dixon, un luchador de color muy mal interpretado por Antonio Tarver. Lo destacable, y bien mirado por algunos críticos, es el recuerdo dentro del recuerdo que hay en las líneas de R.B. Un Stallone que logra derramar alguna que otra lágrima; un Paulie malhumorado dichoso de ver nuevamente a su cuñado en las canchas; un hijo (sobreactuado, pero qué le vamos a hacer) que le dice emocionado a su padre "¡hace años que no te veo pelear!", y una multitud que grita ¡Rocky! ¡Rocky! al compás de cada golpe que entra y sale del semental italiano.

Si Rocky antes sudaba y babeaba como más no podía, ahora son sus ojos los que secretan. Son golpes internos los que siente esta vez.

Para el recuerdo: Encontré este recuento de entrenamientos y peleas de Rocky

Perdidas en la Época

2007-01-17T16:42:00.000-08:00

Ya he leído bastante de Maria Antonieta, y todavía no puedo acordar con ninguna de las críticas tan sabiondas de aquellos licenciados en cine, esos que tanto gustan lucir sus fotos en columnas "de prestigio", donde dan cada vez una menos objetiva visión de la película que fueron a ver.

Un "tercero" decía que más allá de los vacíos que la película tiene (que son hartos), igual logra traspasar al espectador la figura de una reina descolocada en un trono no querido (Perdida en la Traslación podría llamar a este post) que intenta darle en el gusto a la monarquía conservadora de la Francia de finales del siglo XVIII. Antonio Martinez de Wikén hace una crítica que todavía no sé para que lado va, si la elogia o la rechaza. Le dio 3 estrellas, lo que me hace suponer que le gustó, pero ni idea porqué.

Y mi postura sigue siendo muy extraña. La película no me gustó pero de alguna manera todavía extraño a los personajes de Maria Antonieta, sigo con ganas de estar ahi, en ese ambiente lujoso pero a la vez ostigoso, burocrático y costumbrista hasta por los codos, pero muy atractivo a los ojos, y más todavía a los oídos. No dejo de tararear cada canción del soundtrack, lo escucho por lo menos una vez al día (eso que la fui a ver hace casi una semana) y cuando lo escucho, recuerdo una película que simplemente no me gustó. Y yo creo que nadie encuentra buena una película sólo por que enganchó con la música, para eso se compra el soundtrack y listo. Para mí todavía es difícil entender cuál fue mi reacción con Maria Antonieta.

Todo empezó cuando leí el anuncio (de esos datos de El Mercurio, creo) que decía que Sofía Coppola estaba en un proyecto con varias lucas involucradas, que se trataría de la vida de la reina de Francia, esposa de Luis XVI, María Antonieta (de las nieves). Por ser algo de su autoría, me interesó de inmediato, y corrí a internet en busca de información. No me acuerdo si encontré algo, pero en unos meses ya circulaban los nombres de los protagonistas (Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Judy Davis, Rip Torn) y algunos de los grupos musicales que integrarían la banda sonora. The Strokes, New Order, The Cure y, sus musos inspiradores, Air. Eso elevó mis expectativas hasta un grado pleno, y desde ese momento esperé el estreno (oficial, no pirata) de esta producción.

Resultado. Hace unos días fui al cine a ver María Antonieta y recuerdo sólo esbozos como extraídos de un videoclip. La secuencia del baile "underground" con el fondo de Siouxsie & The Banshees, buena. El fin de la fiesta con Ceremony de New Order, notable. El desfile de confites y tortas que demuestra el derroche de la monarca acompañado de Bow Wow Wow, entretenido. El enamoramiento púber de la reina con un soldado americano, teñido con las guitarras de los Strokes, pasable. Suma y sigue. La música lo es todo. Así me parece. No hay nada que recuerde bien, si es que no fue acompañado por una buena canción, y al parecer, los dos discos que completan el soundtrack duran casi las dos horas de la película.

Resultado nuevamente, un videoclip de larga duración, hecho con música seleccionada con pinzas por una directora absolutamente melómana, ambientado en un pasado bien lejano, y donde los personajes flotan como si se hubieran metido a una estúpida máquina del tiempo que los llevase a una era donde no querían estar. Sofía Coppola creo que tampoco quiso estar ahí, pero para justificar su tan buen gusto por la buena música y las buenas bandas, debió mezclar para innovar. Y esa mezcla, por lo menos a mí, no me hizo efecto.

PD: Una última cosa. A pesar de no ser una buena película, ES IMPERATIVO que se lleve el Oscar al mejor vestuario. La ardua dedicación en ambientar la época se nota muchísimo durante toda la película, y la hace agradable a los ojos durante cada segundo que transcurre. No hay nada horrible ni mal hecho. Y Kirsten Dunst no puede estar mejor. Lo bueno tiene que ser valorado. Y premiado.

ALGUNAS CANCIONES DEL SOUNDTRACK ESTÁN EN EL RADIO BLOG DE LA DERECHA.

Y aquí les dejo algunas cosillas para mirar. Está super bueno el podcast de el lanzamiento de la película. Véanlo. (No sé por qué le estoy encontrando algo de atractivo a Sofía Coppola. Si es muy grave, háganmelo saber).

Marie Antoinette (Primer y mejor trailer)

Marie Antoinette Premiere Podcast

¡¡Corta Su Cabeza!!

2007-01-07T19:57:00.000-08:00

!!Ya quiero verla!! Eufórico por mirarla a ella, Kirsten Dunst, muy rica. Y dirigida por la nada rica Sofia Coppola, pero muy talentosa. Sí. Harto talento ha demostrado tener la hija del guatón cara de hipopótamo Francis F. Coppola (ese fue un comentario muy Hermes), con sus previos trabajos acerca de mujeres acompañadas de la soledad. Me refiero a Las Vírgenes Suicidas (The Virgin Suicides, 1999), protagonizada también por Dunst, y a Perdidos en Tokio (Lost in Translation, 2003) donde el rol protagonista recaía en otro monumento al género femenino, Scarlett Johansson. Ssslurrpppp. Bahh. Perdón.

Espero esta vez no fallar al Ciclo de Cine Wikén (trasladado ahora a Vitacura) para no perderme esta taquillera visión, llena de colores, moda y música vanguardista, de la vida y muerte de la pequeña diva francesa María Antonieta.

Ojalá, terminada la función, logre llevarme su cabeza...al menos en la mía.

Y aquí una sorpresita. Este es un corto de aprox. 15 minutos de autoría de Sofia Coppola llamado Lick The Star. Está dividido en 2 partes, pero no flojeen. Vale la pena verlo.
Interesante. Una vez más gracias a YouTube por darnos la posibilidad de conocer estos recónditos trabajos.

Lick The Star: Part I

Lick The Star: Part II

...y ya no se necesitan novelas

2006-12-19T15:49:00.000-08:00

Por fin pude ver la adaptación al cine del grandioso videojuego Silent Hill, y la verdad es que no me decepcionó tanto como lo esperaba. Es que la ambientación está tan bien hecha, que opaca cualquier intento de trama - en este caso -adaptación de una saga de juegos de Playstation.

Para los que desconocen la historia, se trata del misterioso y bizarro viaje que emprende una madre (en el juego es un padre) en busca de su hija, por los parajes de un pueblo fantasmal llamado Silent Hill. El pueblo, invadido por una cegante neblina, a simple vista parece despoblado e inofensivo, pero cuando suenan las campanas de la iglesia, la oscuridad invade hasta el alma de los presentes.

De la saga de juegos yo sólo jugué el primero, para la consola Playstation, y, cagado de miedo, lo logré dar vuelta. Igual pedí ayuda a algunos amigos en acertijos que eran muy difíciles, pero lo otro fue de mi parte. Los demás juegos los vi en la casa de un amigo, y cada vez se veían mejores que las entregas anteriores, pero la trama se alejaba mucho a lo en un principio fue un pueblo fantasma. De hecho, si ven el video de toda la saga Silent Hil (que está en abajo, en este post) se darán cuenta que el último volumen, The Room, en un principio no iba dirigido a convertirse en la cuarta entrega.

De la película no hay mucho que hablar. No tiene la paranormal e inexplicativa presencia del mal que el juego posee. Aquí el diablo es la causa aparente de todos los desastres que han ocurrido en Silent Hill, desde que conocemos a esta agrupación que se refugia en una Iglesia. En cambio, en el juego, no es hasta el final que el diablo mete su cola dentro de la historia. Otra cosa. Está claro que cuando uno mueve a un personaje como en el juego, sin saber qué le espera, el suspenso es mucho mayor, que cuando le entregan una historia amoldada en 2 horas donde el tiempo para especular sobra. Pero, dentro de las limitantes que el cine tiene, y considerando que Silent Hill es uno de los videojuegos más terroríficos (después de Clock Tower), su adaptación cumple el objetivo de entretener (no sé si de asustar).

Lo que podría haber sido mejor aprovechado eran los momentos en que el lado oscuro invadía Silent Hill. Tomando en cuenta que la película la vi on audífonos a full, cuando la cosa se podría haber puesto de miedo (para tener que sacarme los audífonos) el ritmo del filme perdía rapidez, centrándose en describir criaturas horribles pero carentes de importancia. El único monstruo que valía la pena era el cabeza de pirámide (presente en el juego Silent Hill 2). VER VIDEO ABAJO.

Finalmente les dejo en la Radio Blog de su derecha la música de la película, que consiste en variaciones del mismo soundtrack de los juegos. Y aquí abajo, algunos videos interesantes.

Silent Hill (Movie Trailer)

Ojo con esta escena del cabeza de pirámide (censurada en YouTube)

Silent Hill Saga

¡Quiero UN BUEN trabajo!

2006-12-18T15:20:00.000-08:00

Sam Bicke (Sean Penn) es un vendedor de muebles que se considera a sí mismo un granito de arena: uno perteneciente a la enorme playa compuesta por otros 210 millones de granos de arena llamada Norteamérica; un insignificante gramo de la billonaria playa denominada Tierra. Para el mundo, él no es nadie. Pero es ese mismo pesimismo lo que le hace pensar en una solución. Bicke tiene un plan que, resulte o no, le hará ser recordado para siempre, porque, según sus palabras - dirigidas a quien admira, Leonard Bernstein - "un hombre sólo es recordado por sus actos".

La película de Niels Mueller, seleccionada para el festival de Cannes del 2004, tiene un contexto muy apropiado para el discurso de Bicke. Nos encontramos en el segundo período del presidente Richard Nixon, en vías del destape político que le valió su retiro, quiero decir, el escándalo Watergate. El inconformismo del protagonista aumenta con la figura de un mandatario que "le vendió la misma pomada a todo un país, dos veces consecutivas". "Ése sí que es un buen vendedor", le dice su jefe a Bicke.

"Recuerda que el poder es un estado de ánimo. Tienes tanto como crees tener". El problema es que Sam Bicke no quiere convertirse en el empleado superventas del mes, sino que quiere hacer su trabajo correcta y francamente, sin mentiras que aumenten el excedente.

Aquí viene la denuncia propuesta por el filme. "The salesman who believes is the salesman who receives". Aquél slogan capitalista enmarcado por el jefe de Sam Bicke sí que sirve, pero no para este hombre, quien, cueste lo que cueste, busca hacer respetar sus derechos de empleado. Esta convicción choca con los intereses de su casi perdida esposa (Naomi Watts), quien contínuamente ha soportado los caprichos de su marido por conseguir un trabajo donde lo respeten.

A la trama se adhieren personajes secundarios, pero de suma importancia: el compositor contemporáneo Leonard Bernstein (a quien ya mencioné) quien tiene la particularidad de no aparecer en carne y hueso pero sí en la mente de Bicke; el amigo negro (Don Cheadle) que representa al empleado sumiso al sistema, y, por último, el líder del gremio Black Panters, un grupo de color anti-sistema, que busca mejorar la condición de su raza en norteamérica. La importancia que tienen los black panters con el protagonista es que ahí es donde se comprueba la pasión que éste tiene por luchar por los derechos laborales.

La historia - basada en hechos reales - avanza a paso de reloj- bomba, como si la mente de Bicke fuera a estallar en cualquier instante. Pero es ese monólogo en off dirigido a Bernstein, lo que calma las pasiones del ambiente.

Si bien, el descenlace puede resultar predecible, es necesario que lo sea, de lo contrario sería muy difícil comprender las acciones y reacciones de este disconforme sujeto. En el centro del filme, el jefe de Bicke le menciona una regla - que suena a refrán - imprescindible para cualquier hombre que quiera ser buen vendedor: "Always give a dog a good name". Según mi estupendo inglés, esto quiere decir algo como "estima a las personas como se debe". Y claramente Sam Bicke fue un hombre subestimado.

OJO con el tributo a Taxi Driver, haber si lo descubren.

TRAILER "THE ASSASSINATION OF RICHARD NIXON"

Quiero MI trabajo

2006-12-18T15:19:00.001-08:00

Económicamente hablando, matar a la potencial competencia sería algo así como planificar una radical reforma previsional. Efectivemente, la mejor. Eliminar uno por uno a los probables contrincantes de un futuro empleo, sería una buena medida para asegurarse el futuro campo laboral.

Para el director Costa-Gavras (Missing, 1982, Amen, 2002) el tema es interesante, y polémico, como acostumbran a ser sus proyectos. Su última película, La Corporación (Le Couperet, 2005) cuenta la vida de un cesante (no confundir con desempleado) llamado Bruno Davert (interpretado por un frío y calculador José García) quien, harto de buscar un empleo digno de su CV, decide eliminar a balazos a su competencia, para asegurarse el puesto que lo devolverá a su vida normal.

Según la RAE, una de las definiciones de corporación es: Empresa, normalmente de grandes dimensiones, en especial si agrupa a otras menores. En el caso de la película, lo que Bruno Davert busca es eliminar estas empresas menores, y, si se puede, liderar el holding.

La Corporación tiene todo lo que un buen filme francés debe tener. Frialdad al máximo, humor negro, y tensión hitchcockiana. Esa que te atrapa y te hace saborear hasta la misma muerte.

Para mí, esta es una de las joyitas del año, sin competencia ni cagando. Más recomendable que The Assassination... y mucho mejor planeada. Para entender esto último, tendrán que ver las dos.

LE COUPERET (trailer)

Furioso Cliché

2006-12-10T19:11:00.000-08:00

Mi amigo Pipe acostumbra a reclamar por las traducciones al español de los filmes gringos, y razón no le falta. Acabo de ver una de las últimas películas de Sean Penn llamada originalmente (y muy original su títulación) The Assassination of Richard Nixon(2004), pero me llevé la sorpresa al tener que arrendarla. Pregunté por su nombre en inglés y nadie supo que cresta de película era. Después les conté lo poco y nada que conocía de la trama, y aún así no la conocieron. Me pasearon por todo el local hasta que di con lo que quería (dejaré en el anonimato al videoclub). Días de Furia se titulaba. Sii, así mismito como el Día de Furia de Michael Douglas (Falling Down, 1993), o como esa joya de Paul Schrader (Affliction, 1997) que también se tradujo al español como Días de Furia.
O los encargados de traducir los títulos son supertaldos o la traducción literal del inglés al español no es atractiva comercialmente. Una de dos.
En fin. Crítica en construcción....

Corazón Delator

2006-11-23T11:00:00.000-08:00

El inglés Alan Parker dirigió la cuidadosa obra maestra de culto llamada Pink Floyd The Wall.
También le quitó de las manos a Oliver Stone ese producto ya convertido en un clásico, llamado Expreso de Medianoche. Y estuvo a cargo de la Fama de un grupo de jóvenes, que la buscaban a como diera lugar.
Pero lo que recordé hace unos días es más único y religioso que lo anterior: Corazón Satánico (Angel Heart, 1987).

Es un filme ochentero, pero ambientado en la década de los 50. ¿Se entiende? No Creo. Me explico. Los primeros parlamentos que susurran "Johnny...Johnny..." junto con el sonido de un corazón palpitando, dan lugar a un callejón oscuro, que delata (y late) el ambiente film noir al que estamos ingresando. Pero el toque de la música de Trevor Jones nos hace movernos treinta años arriba hacia una atmósfera ochentona provista de un sintetizador satánico que anuncia que el final no está muy lejos. Resultado, música del 80 mezlcada con parajes y vestimentas propias del cine negro de mediados de siglo.

Luego se nos introduce al personaje principal, el detective privado Harry Angel (Mickey Rourke), quien se adentra en un nuevo y misterioso caso muy bien remunerado, pero del que no confía plenamente. El empleador resulta ser el esperado Robert De Niro, que personifica a un hombre llamado Louis Cyphre, del que no sabemos nada exceptuando sus deseosas ganas de enterarse en qué anda su amigo Johnny Favourite. Angel, entonces, tendrá la extenuante tarea de seguir los pasos de un sujeto del que no estará tan alejado como él cree.

Lo siguiente es su tarea, que pueden conseguir en Bazuca.com o en Blockbuster.

Revivir este tipo de suspenso me hace pensar en lo difícil que debe ser lograr terminar una película de éste género. ¿Cómo cerrar con un descenlace eficaz que no deje dudas respecto a la trama? ¿Cómo se decide un director por ese final y no el otro, que, pudiendo ser más atrevido, puede resultar más?
Siempre en estos casos yo creo que se le debe preguntar al público. Es una simple curva de oferta y demanda.
Y en Corazón Satánico sí que hay equilibrio.

Aquí les dejo un trozo del filme que me gusta mucho.

DATO: El soundtrack de esta película consta, como dije antes, de música sintetizada por Trevor Jones. Pero además, el blues está presente en el filme, durante las andanzas del detective Angel por los barrios de New Orleans.

Está muy buena. Luego la subiré al blog.

Identidades Desconocidas

2006-11-22T03:25:00.000-08:00

Woody Allen dice sabiamente en una de sus más cinéfilas películas (La Rosa Púrpura del Cairo, 1985) que ir sólo al cine es más productivo que ir acompañado. Que así se disfruta mucho más lo que se va a ver, dejando de lado los comentarios irrelevantes y disuasivos para el desarrollo de la película.
No sé si estoy en completo acuerdo con la afirmación del director, porque siempre que voy a ver algo llamo a alguien para que me acompañe. Pero lo que sí apoyo es que ir al cine sólo no tiene nada de malo, ni de raro, ni de fome. Al contrario, creo que se piensa más sin las intervenciones del otro. Intervenciones del tipo: ¡¡¡Viste eso!!!. Nooo. Seguramente pagué 3 lucas para venir a taparme los ojos. Pero, insisto, depende de la compañía.

Bueno, para no decir que fui sólo, les cuento que el jueves pasado me infiltré al estreno de la última película de Martin Scorsese, Los Infiltrados (The Departed, 2006), y de seguro nadie me vio.

Al saber que la nueva película de Martín Scorsese era un remake de una producción honkonesa llamada Infernal Affairs (Mou Gaan Dou, 2002) me aseguré de verla, para hacer un mejor juicio de la del director neyorquino. El resultado es un impecable thriller policial con cincuenta minutos menos de duración, ahorrados en un montaje inteligente, que le da velocidad a una cinta que la necesita para ser efectiva. Lo que no injustifica la puesta en escena de Infiltrados porque, como lo sabrá quien halla visto la mayoría de los trabajos de su director, generalmente se vale de más de 120 minutos para contar una historia de su estilo, marcado por abundar en diálogos inteligentes y escenas crudas y violentas. Lo que Scorsese siempre nos trata de mostrar es algo cool, resultado de la mezcla de balaceras y buenas interpretaciones, dentro de un contexto de violencia salvaje.

Desde unas Calles Peligrosas, este Toro Salvaje ítalo-americano se ha subido con un Taxi Driver para arribar a un Casino, donde ha descubierto la historia de un Aviador, quien llevaba su Vida al Límite, sin pensar en la hermosa Edad de la Inocencia que hubiera vivido si hubiese pertenecido a los Buenos Muchachos, fuera de las Pandillas de New York, New York que tanto lo corrompieron, y que le hicieron hasta plantear La Ultima Tentación de Cristo. Es la hora de reconocer y elogiar su trabajo de cuatro décadas para que no siga perteneciendo al grupo de los infiltrados talentosos que pasan sin pena ni gloria a lo hora de los premios.

Su nueva obra, un remake copiado casi al pie de la letra de una película oriental, es lejos su mejor trabajo desde Godfellas, y eso se debe a que ocupa una narrativa muy similar a ésta. La historia del mafioso más poderoso del hampa de Boston, el mafioso Frank Costello (Jack Nicholson), se alterna dinámicamente con la vida de sus apadrinados Colin Sullivan (Matt Damon) y Bill Costigan (Leonardo Di Caprio). Uno que juega para su lado (Damon, infiltrado en la policía) y el otro que se lo jode hasta más no poder (Di Caprio, policía infiltrado en su bando). A este trío, aportan presencia el jefe del departamento de policía (un querido Martín Sheen) y la mano derecha y dura de Costello, Mr. French (Ray Winstone).

Así, durante las dos horas y media de metraje, los focos de atención se entrecruzan, para formar al final un solo camino, y por consiguiente, el desenlace.
Debo decir que esto último está mejor llevado en la versión original, por el sólo hecho de que el personaje interpretado por Mark Wahlberg (el desagradable oficial Dignam) en la versión oriental pasa sin pena ni gloria. O sea, no entra a jugar esa especie de juego de exterminación que acaba con la vida de la mayoría de los personajes. Asuntos Infernales da un toque más intelectual para explicar las causales de quienes son los que sobreviven en este ambiente de perdición y anonimato y quienes no.

Las primeras líneas del filme oriental aluden al dios Buda: “Aquél que en el infierno continuo se encuentre, nunca muere. Es la longevidad, realmente, la penuria del infierno continuo”; y las últimas, partes de un texto budista, son: Nirvana Sutra, verso 19: “El peor de los ocho infiernos se llama infierno continuo, porque es de continuo sufrimiento. Por eso el nombre.”
Estos dos textos resumen lo que proponen ambos filmes. Los dos pares de infiltrados (Colin Sullivan y Bill Costigan; Lau Kin Ming y Chan Wing Yan, respectivamente) viven en este supuesto infierno continuo, muertos en nombre, pero condenados a vivir.

Pero, a diferencia de su progenitora, Los Infiltrados no realza esta premisa. Pudiéndolo hacer perfectamente, se concentra mucho más en darle cámara a sus rostros famosos (que por cierto lo hacen muy bien) y en ensalzar la cinta con hondas cucharadas de sangre.

Lo que trato de decir es que así como Scorsese profundizó a fondo sobre los problemas de un ex veterano de la guerra de Vietnam, en Taxi Driver, o como delató el tráfico de influencias entre los importantes personeros de la mafia en Nueva York, en Buenos Muchachos, en Los Infiltrados no lo plantea, o si lo hace, es muy por debajo de la manga. El único que podría denotar esto es el personaje de Di Caprio, quien toma pastillas y visita a una psicóloga para liberar esa doble personalidad que lo aqueja. Pero sólo por momentos. Ya cuando tiene por las manos a Sullivan, su rostro no le pesa tanto como antes.

Pero, porque se trata de uno de mis directores favoritos, opacaré cualquier otra distinción y comparación con su homóloga oriental. Es más. El estilo de Scorsese, junto con la estupenda primera participación con él de Jack Nicholson, y una banda sonora de lujo (que pueden escuchar en la radio blog ubicada a su derecha) hacen de la película una de las mejores del año. Sino la mejor, la con mejor firma de autor. Un autor que, infiltrado o no en el sistema hollywoodense, sabrá algún día (siendo que no le quedan muchos para derrochar) valerse de una identidad conocida, y reconocida, alejada de cualquier mediocre grupo de directores de cine deportados y encasillados.

Aquí una sorpresa que subí a YouTube.
La dinámica introducción de Infernal Affairs. Sory por no tener subtítulos.

PD: Ojo que este es elmalo de la versión original....este chino feo ni le llega a los talones a Nicholson

Torres de Piedra

2006-11-09T17:08:00.000-08:00

Ayer recordé uno de los sucesos más trágicos del siglo XXI. La caída de Las Torres Gemelas (World Trade Center, 2006) y nada más que a manos de uno de los directores más polémicos del cine norteamericano: Oliver Stone.
Sin embargo para mi sorpresa la película no tenía el sello trasgresor particular de Stone, sino más bien fue lo más limpio y puro que he visto de este director en años. Allá quedaron la crudeza de Platoon, las teorías conspirativas de JFK y la insana caricaturización de un par de asesinos en Natural Born Killers.
Ahora Stone se dedicó a su pueblo al cien por ciento. Y lo hizo con un relato que no pudo llegar más adentro de los corazones humanos: la historia de dos rescatistas rescatados (valga la....) de las cenizas del monumental accidente, el capitán John McLoughlin (Nicolas Cage) y su subordinado Will Jimeno (Michael Peña).

La primera media hora cuenta cómo llegan aquellos dos policías a lo que serán los 90 minutos restantes, o sea, a quedar atrapados entre los escombros de las torres.
Comienza con cada uno saliendo de su hogar para realizar el trabajo que los sustenta; deben servirle a su país para poder servirse un plato de comida.
Lo que viene es cuento sabido. En la mañana del día 11 de Septiembre del año 2001 dos aviones de pasajeros (un United Airlines 175 y un American Airlines 11) impactaron cada una de las Torres Gemelas, y un tercero colisionó con el Pentágono.

Sobran los archivos televisivos acerca del trágico suceso, por lo que Stone debe ingeniárselas para sorprendernos con algo nuevo, innovador.
Pero no lo hace. Al contrario, cuenta lo mismo, haciendo hincapié en la emoción del momento, en el terror a la vulnerabilidad de una nación intocable.

Luego de caídas las torres empieza lo que podría llamarse el punto de vista “de piedra”
Stone proyecta imágenes de caos social como en la mayoría de sus filmes, con el fin de mostrarnos la reacción de una nación ante la invasión de su propiedad privada, ante las manos de un agente externo que les desordena su orden perfecto.
McLoughlin y Jimeno son los únicos sobrevivientes a metros a la redonda, pero sobreviven gracias a que su labia todavía no les ha abandonado (“If you die, I die”)
Ambos entablan una conversación variada que los mantiene vivos y que les da cámara a sus respectivas cónyuges, Donna (Maria Bello) y Allison (Maggie Gyllenhall), quienes mantienen la esperanza de que están vivos.
Así, cada historia construye su propia torre - la familia de McLoughlin y la de Jimeno – con sus dramas e imperfecciones, pero aún así World Trade Center no logra posicionarse sobre su competencia. Me explico mejor. Justo en el momento cuando puede diferenciarse de CNN y sus derivados, Stone redunda y se limita en contar con flashbacks la historia de sus víctimas, y no se atreve a dar un paso más allá, como lo ha hecho siempre. Muy por el contrario, nos agrega un personaje carente de verosimilitud (el marine Karnes) que desliza la trama por caminos erróneos.

Creo que Stone siempre quiso hacerla así, fuera de su pauta personal, para demostrar que es un relato gringo orgulloso de serlo, y además porque buscaba unir, que sea por dos horas, a una nación golpeada donde más les duele....en su “sueño americano”.

Los personajes principales simbolizan el espíritu unificador que caracteriza al pueblo norteamericano, de dar todo por el todo por una causa que, aunque suene imposible e ilusoria, de alguna que otra forma podrá realizarse. Que por más que les derrumben sus más majestuosas construcciones siempre saldrán adelante.

Para terminar me gustaría destacar el soundtrack de la película, a cargo del compositor Craig Armstrong, de una gran similitud al músico de Spike Lee, Terence Blanchard. La principal melodía de World Trade Center tiene tres notas, que se repiten y repiten cada vez que la esperanza se hace presente en la vida de estos dos sujetos. Esas tres notas acompañan al filme en su totalidad.

Leyendo de nuevo el texto que acabo de redactar, me he dado cuenta de que puedo haber sonado muy cursi y chulo, pero es lo que realmente me sucedió cuando la fui a ver. Por lo menos en esta película el discurso y la palabrería gringa sirve, y mucho.
Sirve para recordar y sensibilizar. Para llorar y comprender. Y para romper tantos “corazones de piedra” que abundan en este mundo.

Las Torres Gemelas puede no ser una buena película, pero vale la pena recordarla. La pena de 2.973 personas muertas y 24 todavía desaparecidas.

Y ahora, ¿quién podrá ayudarnos?

2006-10-30T07:57:00.000-08:00

La Guerra de los Mundos (War of the Worlds, 2005) es un título difícil de pasar a llevar. La misma palabra guerra atrae por sí sola. Ejemplos como "Capitán de Mar y Guerra" (Master and Commander: The Far Side of the World, 2003), "Códigos de Guerra" (Windtalkers, 2002) y el clásico basado en la novela de Tolstoi "La Guerra y la Paz"(War and Peace, 1956) demuestran el efecto magnético que tiene esta palabra a la hora de leer un libro o, precisamente, de ver una película.

Sin embargo si uno piensa en guerra tiene en mente un conflicto bélico entre hombres, a golpes o balazos, donde los rivales que se enfrentan tienen, por así decirlo, el mismo "handicap", y también un parecido razonamiento.

Lo que sucede en la guerra planteada por Wells, Welles, Haskin - y finalmente - Spielberg es de otro calibre. Es un enfrentamiento o, mejor dicho, un gran golpe ejecutado por los alienígenas contra la raza humana; un plan maestro que plantea el exterminio fulminante de todos los hombres. Simplemente, una pisotada extraterrestre sobre las "hormigas" humanas que habitan la Tierra.

Debo admitir que si no hubiera sido por el anuncio de esta realización de Spielberg, no hubiese tomado la iniciativa por mi cuenta de indagar en todas las formas que ha tomado esta "historia a lo largo de la historia". Pero eso no tiene nada de malo. Por el contrario, el cine tiene ea maravillosa cualidad de contar algo entretenido para que luego el espectador (si lo desea) investigue la parte "aburrida" del asunto.

En fin. Apenas supe de este estreno cinematográfico me preparé arduamente para llegar a la sala de cine para sentarme y disfrutarlo, con previo conocimiento de la historia, por supuesto. Primero acudí al barrio San Diego para adquirir el libro La Guerra de los Mundos de H. G. Wells. Ya cuando lo tuve en mis manos no aguanté las ganas de devorarlo por completo. Lo terminé en cuatro días. Cuatro días de apocalipsis y desesperación. En cuatro días mis ojos habían eliminado a más de la mitad de la población mundial. Pero, a pesar de la buena prosa y el detallado aniquilamiento humano descrito por Wells, el libro no llenó mis expectativas.

A pesar de tal vacío, me arriesgué y vi la película del 53 (The War of the Worlds, dir. Byron Haskin). Increíble. Fenomenal. Satisfactoria. Tenía lo que el libro no: síntesis. Muy fiel a lo que imaginé.

(Paréntesis Comparándola con la de Spielberg ésta tiene mucho más de "guerra entre mundos"; se muestra con mayor énfasis el enfrentamiento global contra el extraterrestre y no tanto una historia en particular. También, los medios informativos son tomados en cuenta. La prensa informa y especula acerca de los invasores y, mucho más importante, da ese carácter de unión mundial frente a la amenaza marciana (eso se echa de menos en la nueva). Antes de salir del paréntesis, es meritorio mencionar que en Santiago, Chile, caen dos de los cilíndros enemigos.)

Así que, con libro y película listos, me di un tiempo para descansar de los marcianos. Quedaban algunas semanas para el estreno de la nueva película y yo dejaba de lado por un rato un fenómeno que me había atrapado por mucho tiempo. Creo que, en estos casos, es necesario descansar la mente por toda esta cosa de las expectativas.

Pues. Listo. Llegó el día de estreno en Chile de La Guerra de los Mundos, edición Spielberg. Cabritas en mano entré a la sala de cine que proyectaba por primera vez una de las cinco copias de las que Cinemark disponía. Sala 8. Clásica. Cúantas habré visto ahí. Cuando me senté ya había olvidado cualquier responsabilidad que tuviera. Era yo (creo que había un amigo al lado), pantalla enfrente, y mi subconsciente sobrecargado de datos acerca de la historia. Se me hacía agua la boca, mi hiel casi reventaba., no había momento que superara ese.

Pasadas las poco más de dos horas de metraje varios rostros malhumorados salían de la sala 8. Todos balbuceaban las mismas palabras: "mala, nooo, que falsa, muy chanta, final gringo". Entre aquellas caras desabrídas se asomaba una de gesto feliz, contento, satisfecho. Esa era la mía. La Guerra de los Mundos me había gustado, y mucho. Más que el libro. No sé si más que su predecesora, pero tampoco menos. Sí. Tenía un final gringísimo. ¿Y qué? No por eso la desmerecería. Habría que ser webon para catalogar algo de malo sólo por su final.

Había mucho que decir, pero acortando, certera. Llega directo al Talón de Aquiles mundial: ser tratados como simples hormigas aplastadas, como ratones de laboratorio puestos en fila para ser sacrificados.

Para qué mencionar las maravillas de efectos especiales. Impecables. Los tripods diseñados al pie de la letra de Wells. Una atmósfera caótica digna del Terremoto de Mark Robson. Toda la técnica utilizada para realizar esta película nublaba cualquier mala interpretación, incluso la de su protagonista, Tom Cruise. Podría haber sido Crowe o Gibson en ese papel. La Guerra de los Mundos es de esas película que amoldan el actor a la historia.

Lo que el cine me acababa de mostrar era inolvidable, y digno de ser repetido.

Pero cuando la vi de nuevo, en el computador, en mi campo con mis viejos no fue lo mismo. Ahí es cuando funciona el dicho "nada como en el cine".

Era el fin. La meta había sido superada, y con creces. Era hora de cerrar el capítulo Guerra de los... Ahora tocaba otro mundo que invadir. Pero aún así no me quedé tranquilo. Y fue, con esa actitud, investigando en internet, que me topé con la adaptación de Orson Welles, esa misma que causó conmoción en Norteamérica. Esa obra del radioteatro que muchos creyeron de verdad. Esa que invadió muchas conciencias humanas haciéndolos creer lo increíble. ¡¡La Tierra sería atacada!!

Ahora mismo estoy escuchando la versión de Welles, y les juró que si hubiese vivido en el momento cuando se transmitió en directo estaría al borde del suicidio. Mal que mal se trataba de un ataque donde el malo no era el hombre, sino lo desconocido.

Suerte que fue sólo una radiotrasmisión.

La Guerra de los Mundos (Audio), CLICK AQUI

Sinopsis en www.wetuve.blogspot.com

FREEDOM and TRUTH

2006-10-24T14:57:00.000-07:00

Debido a que estas últimas tres semanas he destinado mi tiempo a ver algunas series muy adictivas (Grey´s Anatomy, Lost, Nip/Tuck, Prison Break y Kung Fu) las películas las he delegado a segundo plano. Y más todavía este blog, donde dejé pendiente unos cuantos post acerca de Moulin Rouge!
Así que le ahora le pondré fin al asunto.

Roxanne, you don´t have to sell your body to the night

Bueno, para dar por término a este compendio acerca de la película me centraré en los otros dos valores dignos de tener de un artista bohemio revolucionario de comienzos del siglo XIX: Verdad y Libertad.

En una parte de la película Satine le dice a Christian: “Yo no me puedo enamorar. Sólo puedo hacer que los hombres crean lo que quieran creer”. Con esta frase Satine le da a conocer el encierro en el que vive. Al igual que la historia de Roxanne cantada por The Police, esta linda cortesana “tiene que vender su cuerpo a la noche”, y nada mejor que el centro del Espectáculo Espectacular para hacerlo. Este Molino Rojo le ofrece fama y poder, pero le quita lo que todo artista de la Revolución Bohemia debe tener: libertad.
Así, puesto el problema en el plato, comienza a desarrollarse el amorío entre escritor y cortesana, línea amorosa que luego se transforma en triángulo con la llegada del duque. Ante tan problemática presencia el amor entre estos dos artistas soñadores se esconde a los ojos de la gente; nuevamente la libertad de unos es trasgredida por otros.

Satine pasa a manos del duque por intereses de Harold Zidler, el majestuoso dueño de aquél centro de entretención, y se ve obligada a renunciar a su verdadero amor, Christian.
Al saber esto, el escritor es prevenido por su colega y amigo argentino que sufre de narcolepsia, quien le da una lección por medio del Tango de Roxanne para que los celos no lo vuelvan loco (lo que viene acá es una de las mejores coreografías del filme).
Para no contarles toda la película y latearlos voy al punto que quiero resaltar.
La libertad en Moulin Rouge! tiene mucho que decir. Les es privada a sus dos protagonistas cada vez que se encuentran juntos, y la deben ocultar bajo el alero de una relación profesional guionista-actriz. No son libres en la realidad pero sí lo son en la ficción que están representando.
Ante tanta presión lo único que les queda es hablar, hacer pública su relación. Y lo hacen. Pero sin darse cuenta de que la real privación no estaba en el amor secreto que llevaban. Algo al interior de Satine no dejaba elección alguna. Una tuberculosis la aquejaba hace tiempo y su amado no lo sabía.
Con lágrimas en sus ojos, Christian llora la muerte de Satine, sabiendo que ante la muerte no hay elección. Con esas mismas lágrimas Christian inmortaliza sobre un papel su historia de amor vivida. Al interior de una buhardilla se encuentra este escritor enamorado quien proclama a través de palabras “the greatest thing you´ll ever learn, is just to love and be loved in return”.

En una ciudad de época como lo era París a comienzos del siglo XIX, donde los ricos y poderosos se mezclaban con los jóvenes pobres y soñadores, donde increíbles riquezas convivían con el arte y la belleza, Moulin Rouge dio origen a una historia de amor verdadero, una de esas historias románticas que pasan a formar parte del archivo de emociones personal, al que tanto recurrimos en los momentos de completa soledad.

BEAUTY

2006-10-11T14:28:00.000-07:00

"I hope you don't mind that I put down in words...
How wonderful life is now you're in the world"

Así como versa la canción entonada por Ewan McGregor, espero que no le importe a Nicole Kidman que yo lo escriba, pero QUE maravillosa es la vida con su presencia.
Tremenda actriz. Su desempeño y belleza son complemento en cada una de sus caracterizaciones.

Desde la nada terrorífica Terror a Bordo (Dead Calm, 1989) pasando por el clásico de carreras de Tony Scott, Días de Trueno (Days of Thunder, 1990), donde compartió cámara con quien sería su marido Tom Cruise y con quien se repitió el plato en Un Horizonte Lejano (Far and Away, 1992), hasta llegar a sus consagrados papeles en Ojos Bien Cerrados (1999), la misma Moulin Rouge! (2001), Los Otros (2001), La Horas (2002), suma y sigue...
También la dirigió el criticado Gus Van Sant, en una película que me sorprendió a pesar de las malas opiniones que había tenido de ella, me refiero a Todo por un Sueño (To Die For, 1995). Dije criticado Gus Van Sant, porque y perdonen la expresión, este pelotudo hizo un remake desastroso de la obra maestra hitchcockiana Psycho.

Eso en cuanto a su talento.

Y su belleza...uff....hace unos días debatíamos con mis primos sobre cuál era el estilo de belleza antigua en una mujer. De preferencia tez blanca, ojos claros y una sonrisa blanca radiante (no risa webona Pepsodent). Salieron varios nombres de actricez para resaltar la idea: Cate Blanchet, Julianne Moore y, por supuesto, Nicole Kidman. Pero de repente alguien se mandó un Amparo Noguera....y ahí todo se fue a la mierda....peoor. Así que para no rebajar la belleza de la musa a la que estoy dedicando este post, dejemos a Satine como una mujer de rasgos vanguardistas.

Bueno, respecto de su rol en Moulin Rouge! ella es Satine, diva y cortesana del club nocturno El Molino Rojo, lugar donde no hay leyes ni límites, sólo una regla: Never Fall in Love.
Satine rompe esta regla de oro con la llegada de Christian, un escritor soñador que arriba al bohemio barrio que circunda a esta "casa de placeres". Lo que sigue es lugar común; amor sin barreras. Pero es la dulce voz y el carisma actoral que emana Kidman lo que distingue a la película de muchas otras.
"Es como si ella hubiese nacido para el papel" dice Baz Luhrman en uno de los extras. Y al final yo creo que es ahí donde se diferencia una buena actuación de una mala; un rol trascendente e irremplazable. A Chaplin lo encarnó alguna vez Robert Downey Jr....todo mal. La antes mencionada adaptación de Psicosis, donde Vince Vaugh caracterizó a Norman Bates....sin comentarios. Katherine Hepburn dentro del cuerpo de Cate Blanchet en El Aviador de Scorsese...mmm...regular. De tan sólo pensarlo no podría aguantar alguna imitación de Woody Allen, y menos de la preciosa Satine a manos de una inolvidable Nicole Kidman.

Satine: I can't believe it. I'm in love. I'm in love with a young, handsome, talented duke.
Christian: Duke?
Satine: Not that the title's important, of course.
Christian: I'm not a duke.
Satine: Not a duke?
Christian: I'm a writer.
Satine: A writer!!!

Al Rojo Vivo!!

2006-10-10T00:09:00.000-07:00

Los siguientes cuatro posts serán sobre el grandioso musical Moulin Rouge! (2001), dirigido por un talentoso Baz Luhrmann, quien me había defraudado un poco con su anterior trabajo, la adaptación también pop del clásico shakesperiano Romeo + Juliet (1996).
Estableceré un compendio del filme a través de 4 artículos, cada uno centrado en alguno de los valores que, según Henri Marie Raymond Toulouse-Lautrec Montfa (interpretado por John Leguizamo), debería poseer cualquier artista que deseara ingresar a la tropa pertenecientes a la bohemia francesa del siglo XIX:
FREEDOM, BEAUTY, TRUTH, and LOVE.

LOVE

2006-10-03T14:51:00.000-07:00

Love is like oxygen

Comencé con el AMOR porque, más que nada, Moulin Rouge! trata de eso: del amor entre una cortesana llamada Satine (Nicole Kidman) y un escritor de nombre Christian (Ewan McGregor), quienes se amarán hasta el "fin de los tiempos".

Para el protagonista "el amor es como el oxígeno", sin amor no hay nada, sería imposible una vida sin amor. Con esta afirmación rememora el hit setentero de The Sweet que lleva el mismo nombre.

"Love is like oxygen, You get too much you get too high
Not enough and you're gonna die
Love gets you high"

Algo parecido sucede con la música dentro de este musical pop: Moulin Rouge! navega en las profundidades de un aire de sonidos retro, inhalando y luego exhalando melodías adheridas a nuestra "materia gris musical".
El medley que escucharán a continuación despliega un cancionero inmortal, inolvidable, construido en base a arreglos de temas de décadas pasadas. Para mayor interactividad con ustedes, bloggernautas, les daré el nombre de cada hit "citado" dentro de éste.

Elephant Love Medley - Ewan McGregor & Nicole Kidman

Christian:Love is a many splendored thing (1) love lifts us up where we belong, all you need is love!
Satine: Please, don't start that again.
Christian: All you need is love (2)
Satine: A girl has got to eat.
Christian: All you need is love.
Satine: She'll end up on the street.
Christian: All you need is love.
Satine: Love is just a game.
Christian: I was made for loving you, baby, you were made for loving me (3)
Satine: The only way of loving me, baby, is to pay a lovely fee.

Christian: Just one night, give me just one night (4)
Satine: There's no way, 'cause you can't pay.
Christian: In the name of love, (5)
Christian: one night in the name of love.
Satine: You crazy fool, I won't give in to you.

Christian: Don't - leave me this way. I can't survive, without your sweet love, oh baby...
don't leave me this way. (6)
Satine: You'd think that people would have had enough of silly love songs. (7)
Christian: I look around me and I see, it isn't so. Heh, no.
Satine: Some people want to fill the world with silly love songs.

Christian: Well, what's wrong with that, I'd like to know.
Christian: 'Cause here I go.
Christian: Love lifts us up where we belong... (8)
where eagles fly, on a mountain high.
Satine: Love makes us act like we are fools. Throw our lives away, for one happy day.
Christian: We could be heroes... Just for one day (9)
Satine: You, you will be mean
Christian: No, I won't
Satine: And I, I'll drink all the time.
Christian: We should be lovers...
Satine: We can't do that.
Christian: We should be lovers! And that's a fact.
Christian & Satine: Though nothing, would keep us together
Christian: We could steal time
Christian & Satine: Just for one day. We could be heroes, forever and ever, we could be heroes, forever and ever, we can be heroes...
Christian: Just because I... will always love you... (10)
Satine: I...
Christian & Satine: ...Can't help loving...
Christian: ...You...
Satine: How wonderful life is, (11)
Christian & Satine: Now you're in, the world...

(1) Love is a many-splendored thing - The Four Aces

(2) All You Need is Love - The Beatles

(3) I Was Made for Lovin´ You - Kiss

(4) One More Night - Phil Collins

(5) Pride (in the name of love) - U2

(6) Don´t Leave Me This Way - Thelma Houston

(7) Silly Love Songs - Paul McCartney

(8) Up Were We Belong - Joe Cocker & Jennifer Warnes

(9) Heroes - David Bowie

(10) I Will Always Love You - Whitney Houston

(11) Your Song - Elton John

Y lo Feo...

2006-09-28T06:42:00.000-07:00

Este tipo nos va a acompañar desde muy luego....y va a ocupar el 50% de la tapa de las cajetillas.
Se me fue a la cresta la colección...

Lo Bonito de Fumar

2006-09-27T23:03:00.000-07:00

Bajo este post pueden escuchar una oda al dulce veneno, de Kevin Johansen.....
Se llama Volutas de Humo.

Volutas de humo que flotan
Alrededor de mi cuerpo
Con que simpleza se desintegran
En cuanto las toca el viento
Conversar, conversar con vos quisiera
Decirte, decirte lo que yo siento...
¿Por qué siempre te necesito
Cuánto más solo me encuentro?
Éste, éste, tu encanto fatal
Es lo único que no entiendo
Sabiendo que, poco a poco
Mi vida estás consumiendo...
Cigarrillo forrado de blanco
El color de la pureza y,
¿Qué llevás en el alma? Lo negro...
¡Cuántos somos los que nos aferramos
A tus pitadas profundas y exhalamos de una vez!
(Mientras tragamos tu veneno...).
Apartarte, apartarte yo quisiera
Pero sé que no puedo
Porque en cada devenir de esta vida que padecemos
En mi propia cobardía más me aferro
A tu maldito veneno...
Te tomé como juguete de purrete
Y hoy, que sos parte mía
No sabés cuánto me arrepiento
Ya sin vos, ya sin vos no sé vivir
Porque sos mi companero
Ese amigo que busqué en la noche solitaria
Mientras contemplaba los cielos
Y que hablaba de mis sueños, mis tristezas y alegrías
Mientras vos, poco a poco
En mis dedos te consumías
Y así, así me quitaste el aliento
No me dejás respirar
Manchaste todos mis dedos
Y por dentro devoraste gran parte de mi cuerpo...
Pero, ¿qué te puedo reprochar?
Si fuiste mi compañero...
Y otra vez, otra vez te vuelvo a encender
Y mientras miro tus volutas de humo
Que envuelven todo mi cuerpo
Te tengo que decir, a mi pesar
Que seguís siendo mi mejor compañero...

Lo Bonito de Fumar

2006-09-27T22:32:00.000-07:00

Kevin Johansen - Volutas de Humo

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Imágenes de Humo

2006-09-26T22:24:00.000-07:00

Lo único sano de fumar es querer dejar de hacerlo. A pesar de ser esto sólo un deseo que implica muchísimo esfuerzo para concretarse, el hombre intenta una y otra vez abandonar un vicio que hace ya más de un siglo está "haciendo humo" muchas vidas humanas.

De esto y algo más habla la película de sátira social Gracias por Fumar (Thank You for Smoking, 2005), y lo hace a través de la historia de un lobbyista asesor del Consejo de Tabacaleras de Estados Unidos, Nick Naylor (Aaron Eckhart) quien debe cuidar y limpiar la imagen de las industrias fabricantes de aquel mortal "cilindro nicotinoso".

No cabe duda que la película llama a gritos a debatir acerca del tema de la venta de cigarrillos a menores, jóvenes, adultos, todos, porque gran parte de la población es la que se ve perjudicada por este "dulce cáncer", algunos activa y otros pasivamente.

Todo empieza con este "señor cigarrillo" invitado a un talk show gringo donde se debate el daño provocado por la industria del tabaco a la población norteamericana. Nick Naylor se desliga de todas las feroces críticas que le hacen en el programa dándole un apretón de manos a quien fuere su víctima, un niño con cáncer pero que muestra una amplia sonrisa en su boca. Naylor gana; su industria, hecha humo.

La seguidilla de victorias frente a su más acérrimo rival, el senador Finistirre (William H. Macy), lleva al protagonista a postularle al gran jefe del tabaco (Robert Duvall) la siguiente frase esperanzadora: "si somos capacez de ganarle al antitabaquismo, seremos capacez de hacerlo todo". Y esta afirmación no la hace en vano. Las victorias logradas por la industria se deben a la retórica convincente de este tipo, un hombre que “habla” para ganarse la vida.

El sarcasmo del filme se ve plenamente reflejado en el Mod Squad (Merchants of Death), un grupo formado por los representantes de los vicios mas temerosos del país del norte: armas, alcohol y cigarrillos. Cada vez que éstos se reúnen a comer juntos entablan una conversación acerca de los obstáculos que deben franquear en sus respectivas áreas de consumo. En una de las situaciones más graciosas entre este trío letal, Naylor plantea, a través de cifras, que es su industria la que proporciona mayores tasas de mortalidad en el país. Ridículamente se enorgullece de estos números, pero luego tilda la discusión de estúpida.

Por último – y para darle algo de bola a la carrera que estudio – sería bueno rescatar la labor de la periodista (Katie Holmes), que, a pesar de ser un personaje secundario, es de vital relevancia para notar el contraste entre lo que la gente quiere saber y lo que debe saber. La imagen del cigarro proyectada por Nick Naylor es radicalmente opuesta a la que el público debería conocer. Y es esta profesional la que desenmascara la faceta original del “señor cigarrillo”. Que no es la de un empresario despreocupado y frío acerca de la vida de sus clientes, ni tampoco la de un filantrópico “vendedor de pomadas”, sino la de un hombre que hace bien su trabajo, y que si discute, gana.

...and found

2006-09-14T21:44:00.000-07:00

Mientras escucho el soundtrack de la serie norteamericana "Perdidos" me pongo a escribir sobre ésta misma y a pensar cómo seguirán las vidas de este grupo de sobrevivientes del Vuelo 815 de la ficticia línea aérea Oceanic.
Hace pocos días terminé la 2da temporada y todavía no logro dar por hecho que la cosa se acabó hasta nuevo aviso (4 de Octubre en la cadena ABC) y que el hermoso rostro de Kate, la frialdad de Sawyer, el cuidadoso razonamiento de Locke contra el arrebatado actuar del doctor Jack se mantendrán inmóviles por unas cuantas semanas, guardados en mi conciencia.

Michael Giacchino - Win one for the reaper - LOST

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¿La Originalidad Sabrá Terminar?

Ese ha sido siempre el problema para mí, que termina siendo el principal prejuicio que les he tenido a las series: te hacen partícipe de una historia segmentada en capítulos, que un día te emocionan por su calidad y que otro que te defraudan por su inutilidad. Pueden comenzar con argumentos verosímiles pero que luego caen en la inconsistencia argumental por el sólo hecho de "querer vender mayores cantidades de la misma pomada."
Pregunto ¿sabrá terminar? porque LOST es otra cosa. Es algo que se nota bien pensado, que tiene finiquito precocido, porque estos tipos abandonados en la isla quieren volver a su "casa" y en alguna season lo van a lograr. De seguro el final de Lost no nos defraudará.
Viendo el material extra de la 2da temporada supe que los productores y el mismísimo director de la serie (J.J. Abrams) no tienen claro como le pondrán fin, ya sea por el temor de dejar caras largas en los miles de seguidores y fanáticos alrededor del mundo o por no encontrar todavía la inspiración necesaria para fijarle el destino a estos náufragos "elegidos". Abrams dice en una entrevista que son tantas las conjeturas que los fans han desarrollado a lo largo de la serie que hasta él se sorprende de lo ingeniosas que son, pero que a la vez le sirven de inspiración para el esperado descenlace.
A mi me da igual. "Lost" seguiré viendo pase lo que pase aunque me tenga que perder unos días de la civilización, aunque me esté perdiendo algún carrete y a pesar de haya perdido la cordura ante semejante bLOckbuSTer televisivo.

Aquí va un link para que resuelvan parte de sus dudas acerca de las dos primeras temporadas.
www.lostzilla.net

The End of The Machinist

2006-09-13T22:30:00.000-07:00

Qué bueno es Youtube!!!
Encontré algo maravilloso.....video clip no oficial de El Maquinista.
Gran maestro el que lo hizo. Acompañado de la música de otros maestros: Los Doors

AVISO: VER LA PELICULA antes de ojear el clip

Disfruten

El hombre que enloqueció de temor

2006-09-10T15:35:00.000-07:00

_ _ _ _ E R

The Maquinist (El Maquinista, 2004) es una producción española pero hecha en Norteamérica. De ahí que primero mencioné su traducción al inglés y luego su nombre original en español, al revés de los cristianos.
La choreza técnica de esta película es que fue grabada en España pero sus locaciones reflejan a Estados Unidos, detalle que supe cuando vi los extras del dvd. Hay un cuidadoso manejo de la estética para lograr ese ambiente sórdido propio del film noir norteamericano.

El filme cuenta la historia de un misterioso hombre, insomne desde hace mucho tiempo (un año precisamente), quien se ve invadido por los espejismos de su eterna vigilia que lo entorpecen en su actuar, hasta que un día éstos le juegan una mala pasada involucrándolo en un accidente ocurrido en su lugar de trabajo. Es así como Trevor Reznik (interpretado muy bien por Christian Bale) comienza una búsqueda hitchcockiana de lo que podría estar sucediendo a su alrededor y de pasada formatear lo que ocurre en su cabeza.

La intriga y suspenso que entrega El Maquinista está claramente influenciada por los maestros Hitchcock y Fincher; persecuciones y música tomadas del autor de Psicosis y la sombría atmósfera (y otra cosilla mejor no mencionable) del director de Fight Club son reflejos de los homenajes que el director Brad Anderson hace en esta película.

Respecto al personaje tratado en esta cinta (que en realidad hace la película) podría destacar que:
- es increíble como se denota el cansancio en el cuerpo demacrado de Trevor Reznik
- resulta escalofriante observar el físico del personaje
- arriesgado pero a la vez soberbio el desempeño de Christian Bale

Extrapolando la gran actuación del artista inglés me gustaría destacar, como último punto, el impecable manejo de la historia en cuestión. Lo que en un principio asoma tintes de thriller se torna en un drama existencial donde la culpa y el arrepentimiento tratan desalir a flote a través de un sujeto que está privado de la razón. Es la historia de uno, que ve en los otros la causa de sus problemas.

Marie: Trevor, is someone chasing you?
Trevor Reznik: Not yet. But they will when they find out who I am.

What. Who. Why. Where. When. ¿How?

2006-09-01T23:01:00.000-07:00

Dalton Rusell (Clive Owen) da inicio a la película respondiendo cinco de las seis preguntas claves de un lead periodístico:

"My name is Dalton Russell, pay strict attention to what I say because I choose my words carefully and never repeat myself. I told you my name, that's the Who. The Where can most readily be described as a prison cell. But there is a vast difference from being stuck in a tiny cell and being in prison. The What is easy, recently I planned and set in motion events to execute the perfect bank robbery, that's also the When. As for the Why, beyond the obvious financial motivation, it's exceedingly simple... because I can. Which leaves us only with the How, and therein, as the bard tells us, lies the rub".

El Cómo lo va respondiendo el filme a medida que avanza. Sin embargo la síntesis narrativa utilizada por Spike Lee le juega en contra. Se necesita de una encendida "intuición cinematográfica" del espectador para acatar todos los acontecimientos con claridad.

Al leer la pequeña reseña que trae la caja de Un Plan Perfecto (Inside Man) pareciera ser otra de las tantas películas de robos perfectamente planeados (valga la redundancia), pero su gracia radica en la perspicacia con que Lee va contando, paralelamente al crimen, las versiones de cada una de las víctimas presentes en el hecho. Una tras otra van siendo interrogadas por el detective de color Keith Frazier (Denzel Washington) dejándole al espectador esa posibilidad de sacar sus propios desenlaces a una trama abierta a razonamientos personales.

No es una cinta colmada de balas y plomo: los disparos son lanzados por las acciones y reacciones del detective Frazier ante las brillantes tácticas utilizadas por Dalton Rusell y el resto de su equipo. Sin duda el que maneja el asunto es el ladrón y tiene juego para rato.

Otra vuelta de tuerca sería poco decir ante la cantidad de revueltas que sostiene la historia. Lo que en un principio suena a repetido termina con un buen sabor; no del gusto general pero ameno a paladares busquillas.

Lo último que vi de Spike Lee se titulaba "La Hora 25", excelente filme centrado en el existencialismo de un hombre que comenzará a cumplir una condena perpetua tras las rejas en unas horas más. Inside Man durará poco más de 2 horas, tiempo que basta y sobra para mantenerte "condenado" a querer saber el final lo más luego posible.

Nothing like it has ever been on earth before

2006-06-14T23:37:00.000-07:00

Predator (1987)
Dir: John McTiernan
Act: Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers, Bill Duke, ...
Género: Acción, Ciencia Ficción
Duración: 107 minutos

Depredador: Animal que caza a otros de distinta especie para su subsistencia.

Es una de mis tradiciones . Siempre la tengo en la mira cuando voy a arrendar. La evado porque ya la he visto muchas veces.
Pero hace unos días logró depredar cualquier otra opción de arriendo. La llevé y nuevamente fui su víctima.

Depredador tiene ese toque de clásico porque entretiene; conmueve por ser una prolija historia de ciencia ficción.
A ratos parece una cinta hecha y derecha para Arnoldo "el gobernador" pero trasciende sobre ese "cliché" por su clasicismo ochentero. ¿Quién no ha oído acerca del Depredador? Mencionar la palabra depredador es remitirse a la película que marcó la carrera del actual cabecilla de California. Algo similar al Exterminador (Terminator) donde nuevamente Schwarzenegger ponía su rostro.
El cine nos impone ciertos parámetros de los cuales no podemos desprendernos, más bien nos brinda conceptos que pasan a constituir nuestra dialéctica cotidiana. El loco, el enamorado, el desafortunado, todos son carácteres provenientes del séptimo arte. A lo mejor imaginamos tales conceptos de manera subjetiva y personal, pero es el cine aquél que nos da un mayor acercamiento a dichas apreciaciones. La palabra depredador (para aquellos que han visto el filme) suena a arrasar con todo, sin titubeos de por medio, porque el depredador de McTiernan deja una huella de destrozo implacable.
Depredador se encuentra dentro de esas películas que veíamos cuando chico en la televisión, esas que se repetían y repetían y las "zapeábamos" cada vez que podíamos, y nos dejaban colgados porque eran una tradición, un vicio, algo entretenido para pasar el rato. Si repetimos lo entretenido esto pasa a ser un clásico, y lo clásico, es bueno.

"You're one ugly motherfucker"

Match Point

2006-06-07T20:54:00.000-07:00

Net

2006-06-07T16:03:00.000-07:00

Tipografía Windsor EF Light. Condensed. Alberto Fuguet logró descubrir la letra característica de los títulos "allenianos". Vaya logro puesto que Allen ha utilizado este estilo por casi cuatro décadas.

Match Point de Woody Allen está de seguro dentro de los top ten de su filmografía y, sin exagerar, corre por el primer lugar del ATP alleniano. Su calidad y genialidad narrativa demuestran que la mano de Allen para hacer películas se mantiene a pesar de no haber filmado en su país natal: las imágenes de un lujoso Londres dan firmeza a un guión poderoso que no omite detalles.
La cinta cuenta la historia de un ex tenista profesional en busca de una nueva vida, que se involucra en una familia "fina sangre" asentada en la prestigiosa ciudad del viejo continente. Este hombre renovado, llamado Chris Wilton (Jonathan Rhys Meyers), esconde más de lo que aparenta, y conforme avanza el metraje, va guardando varios escrúpulos dentro de su bolsillo.
Son aquellas dudas las que repelen su conciencia mientras que su arribismo y la búsqueda - y mantenimiento - de poder lo van transformando en alguien que nunca previó ser: un exitoso hombre del mundo empresarial. Lo que sigue es tarea de ustedes (recomendable NO SEGUIR LEYENDO si no se ha visto la película).

La figura "desdemoniosa" de Nola Rice (Scarlett Johansson) emana deseo y lujuria que quebrantan cualquier pudor existente en los ojos de quienes la miran, más todavía en los de Chris, quien ve en Nola su próxima meta carnal cueste lo que cueste. Es en este último punto donde se concentra toda la problématica propuesta por el director neyorquino: ¿debemos pagar justamente por nuestras acciones o es más fácil concebir nuestra vida como el fruto del amoral azar? Chris Wilton ejecuta un crimen "ferpecto", cual Raskolnikoff en el Crimen y Castigo de Dostoiewski, del que puede salir ileso sólo si la suerte está de su lado.
Vivir la vida a punta de match points puede resultar muy atrevido -pero al fin resultar - mas no todo es de color rosa y, por tanto, depender de algo tan trivial como es el azar puede sepultarnos en un mundo caótico y probabilístico del que nunca más saldremos.
Chris Wilton tuvo suerte. Parecido es lo que me pasó a mí: tuve la suerte de disfrutar muchísimo Match Point haciendo caso omiso a la mala crítica que le han hecho a Woody en los últimos años.

"El hombre extraordinario tiene derecho, no oficialmente, sino por sí mismo a autorizar a su conciencia a franquear ciertos obstáculos, en el caso de exigirlo así la realidad de su idea..."
Crimen y Castigo, Fedor Dostoiewski

Cortes y Tajadas

2006-05-25T20:47:00.000-07:00

Nip Tuck tiene ese toque exquisito de originalidad: una trama dramáticamente chocante que se desenvuelve de manera minuciosa a través de cada capítulo, y que nos entrega algún pequeño mensaje al final de éste.

Nip Tuck corta con cuidadosas tajadas la vida de Sean McNamara y de Christian Troy, exitosos cirujanos plásticos que comienzan a cuestionarse el propósito de su empleo (y de pasada el de sus propias vidas), llegando a colisiones personales de alta tensión.

Impecable es el desempeño de los actores, destacando el de Joely Richardson, quien sufre más de una vez por los errores de su marido Sean.

Es una serie que satiriza acerca de la vanidad, pecado capital que le da el pan de cada día a este par de cirujanos y que se encuentra muy inserto en la sociedad actual. Es el cuerpo perfecto lo que aquellos pacientes buscan, sin darle énfasis a la personalidad, que a fin de cuentas, lleva de la mano a la exterioridad.

Por último, lo sutil de este asunto: en cada capítulo estos doctorcitos nos deleitan con una muy buena canción mientras operan a las víctimas de la vanidad.

Posible con Pop Corn

2006-05-16T19:53:00.000-07:00

Misión Imposbile III se calienta y casi explota como un maíz a punto de ser cabrita; huele y sabe a película de acción pura pero no estalla. Nombro algunas que sí estallan: Duro de Matar, Arma Mortal, El Mariachi. Tienen eso del género de acción; tienen power.
M I 3 no es más que una producción hecha de pies a cabeza para Tom Cruise, con el objeto de resaltar su imagen y semejanza al estereotipo del galán rudo. Son 120 minutos de pasarlo bien que al otro dia se olvidan. Si me preguntan que parte me gustó del filme podría decir a duras penas que la participación de P S Hoffman, pero de lo otro, a otra cosa...
Hay que mencionar la falta de intriga que presenta esta cinta; no hay vueltas de tuerca indescifrables ni doble agentes encubiertos...no hay eso que particularizó a su progenitora: engaño y "descarados" a la vuelta de la esquina.
Sólo las cabritas la hacen digerible. Buena visualidad, buen sonido...bueno todo lo que tenga que ver con cine de propaganda.

Hunt en busca de la NOC list en la primera entrega

Porotos con Spaghetti

2006-05-05T22:58:00.000-07:00

El kiltro callejero no tiene propósito: vaga por la urbe buscando una que otra riña. El Kiltro de Ernesto Díaz Espinosa es también un poco errático: juega y corre por caminos que rara vez le competen. Un conflicto entre clanes familiares poco creíble y dialectos orientales que sólo evocan el fanatismo de un director plenamente conocedor del cine asiático. Sin duda los paisajes estáticos proyectados en los días de reflexión en el desierto se ríen de esa ridícula pero fascinante fotografía del cine oriental de los 80-90.
A pesar de las falencias de la primera película de artes marciales chilena, se nota un aprecio por un trabajo técnicamente muy bien realizado, que denota gusto y ganas para filmar escenas de acción, donde los combos y las patadas son un festín digno de llamarse Fist of Kiltro (citando a Fist of Fury de Bruce Lee).
Y el aderezo de esta ensalada de reminiscencias es la música del Genio Morricone. En Kiltro hay una cita clave al cine western; una evocación al sonido magistral del italiano autor de las clásicas melodías que ensalzaron a los vaqueros "de spaghetti". Es el soundtrack el que hace digerible las aventuras del musculoso y testarudo Zamir (Marko Zaror).
En resumen, Kiltro es cine de género pero mal zurcido.

V

2006-04-16T20:25:00.000-07:00

Veamos...

vivaz venganza venerada por un vigoroso público;
viable plan que termina volteando la voluntad de varios;
vendetta velada por un valeroso vate;
verborrea vociferada como vaticinio;
vacuna contra el veneno de un victimario gobierno;
valor y veracidad versada por un violento antihéroe;
violencia voraz que vomita votos a favor de la vox populi;
vociferación vasta de vicisitudes vanguardistas;
veto de un totalitarismo vicioso y vil para dar lugar a un virgen régimen voluntario;
válida apuesta por un vástago producto de voces villanas;
vilipendio de la vida humana;
vindicación de un sujeto socialmente vacío;
visita vital del Verbo en..mascarado;
¡viva! la volatilidad;
voltaje necesario para volar la veda gubernamental;
“v”elleza que vulnera la viril violencia;
visible caída de la vigente regulación;
victoria vertida sobre la voz del pueblo;
v....

La verdad es que verla provoca vehemencia
(V)uena y (V)rillante

Viene...

2006-04-12T23:37:00.000-07:00

Fugaz

2006-04-12T20:44:00.000-07:00

Queridos bloggernautas.
Los he dejado botados por un tiempo ya sea por flojera o por la adaptación que he tenido que hacer a la nueva carrera que curso. Sin entrar en detalles de mi vida privada quiero empezar las críticas 06 con un estreno criollo: la "Fuga" de Pablo Larraín.
Fui a ver Fuga con las mismas expectativas con las que fui a ver Se Arrienda (tratándose de películas muy distintas). Me interesaba experimentar nuevamente la sensación de un cine de calidad, de una obra emocionante que diera que hablar entre los amigos, que se nombrara en los carretes con un "¿Viste Fuga?....es increíble". Todavía no pasa y no creo que ocurra. Fuga se "fuga" de la cabeza en pocos días.
Si bien la cinta me mantuvo con los ojos pegados a la pantalla durante la totalidad de su metraje, cuando salí de la funcíón comencé a reflexionar sobre lo que recientemente había visto; un filme de excepcional técnica, agradable a la vista y ,particularmente, al oído, pero que flojeaba a ratos en su contenido.
Jorge Morales, crítico del sitio Mabuse.cl, le apuntó precisamente a mi punto de vista: la película trata de un extraño músico que es perseguido - a voluntad - por una melodía denominada "Sinfonía Macabra" (que está muy buena) cuyos acordes le hacen zozobrar de la realidad, pero que aparentemente - el músico - carece de una génesis musical, de una causa de su melomanía. Sin esta base temática no podemos llegar a sentir esa pasión desenfrenada que Eliseo Montalbán pretende hacernos llegar; esa orquesta musical que Eliseo lleva en su cabeza no es más que una mera justificación de la carencia argumental de Fuga.
Admito que me siento frustrado por no poder interpretar un instrumento a cabalidad, pero no por eso desconozco la interioridad que trae consigo una nota musical. La "fuga" de Montalbán no se explica, mejor dicho, se fuga. La película denota calidad visual mostrándonos imágenes frías y oscuras, mientras su ambición (y la de su director) se agranda cada vez más hasta llegar a un final abierto que deja con sabor a poco.
Las actuaciones son aprobables - no soberbias - principalmente la de Alfredo Castro quien, como muchos lo han dicho, después de tanto delirio lleva a un momento de relajo al espectador (semejante a la situación del blow job entre los dos disfrazados en El Resplandor de Kubrick).
Sin embargo, y a pesar de la dura crítica que le hago, destaco el valor de Pablo Larraín de atreverse a filmar con una decena de fondos privados una película que a pesar de sus fallas procedentes de un novato, genera el cierto rumor de boca en boca de que en Chile se están haciendo cintas distintas y exportables.

El Secreto de Ang Lee (Segunda Parte)

2006-03-31T17:33:00.000-08:00

La película de los vaqueros gays, como corrientemente se le ha denominado, no logró apoderarse de la estatuilla "oscariana" a la que postulaba como mejor película. Sin embargo la polémica de su trama le hizo opacar a su rival Crash (una de las más débiles de la quintilla que dudosamente ganó el premio mayor). Aún así, sigo cuestionando la calidad de esta cinta (a pesar de haberla visto dos veces cuidadosamente) inclinándome hacia el mismo punto crítico: la verosimilitud de la relación amorosa entre ambos vaqueros.
La canción principal de Brokeback Mountain, compuesta por Gustavo Santaolalla (Mejor Banda Sonora 2006), tiene como título "A Love That Will Never Grow Old" interpretada por la voz dulce de Emmylou Harris, canción que representa en su totalidad el único descenlace posible para esta relación; un amor que nunca madurará, que nunca dará frutos (porque biológicamente es imposible), por lo tanto, que podrá olvidarse fugazmente, al contrario de la última frase pronunciada por Ennis del Mar: "Jack....I Swear...".
Así doy por finiquitada la crítica a Secreto en la Montaña, un poco tediosa, pero al fin y al cabo, concreta.

El Secreto de Ang Lee (Primera Parte)

2006-03-02T12:26:00.000-08:00

Brokeback Mountain es una película muy difícil de criticar, ya sea por su contenido altamente controversial como por las ambiguas interpretaciones y opiniones vertidas por los grandes críticos de todo el orbe. Es una clara historia de amor homosexual (si es que así se le puede llamar a estos encuentros carnales entre los cowboys Ennis Del Mar y Jack Twist), pleno tabú para la época en que se sitúa (1963), que involucra a dos vaqueros del oeste de Estados Unidos, quienes mantienen una relación poco comprometedora y bastante fugaz a lo largo de sus vidas. Siendo ésta la columna vertebral del filme, tiene la misión de emocionar o, simplemente penetrar aunque sea un poco dentro de los expectantes espectadores (valga la...), cosa que se hace muy difícil por la extraña identidad sexual de sus protagonistas. Y eso es lo que no entiendo de Ang Lee; si tanto quiere que su cinta nos llegue como un mensaje del amor universal o natural, como suelen aborrecerlo algunas de las críticas que he leído, no lo puede lograr con una pareja de hombres que por lo único que luchan es por mantener un amorío cada longevos intervalos de tiempo y que no demuestran sensibilidad alguna por eso que las parejas heterosexuales llaman amor, entrega y sacrificio por el otro. Si bien la necesidad del uno por el otro se presenta en múltiples ocasiones, escasea la fidelidad de ambos, demostrándose una falta de compromiso tremenda. A lo que voy es que el amor de estos vaqueros no es amor verdadero sino pura calentura desesperada.
Cabe destacar algunos aspectos buenos del filme como la fotografía y la música melodiosa que trata de amigarnos con este par de desviados sexuales. También destaco la labor de Michelle Williams, quien interpreta a Alma, la dulce esposa de Ennis, que debe contener una verdad muy dolorosa por varios años.
En fin, para mí Brokeback Mountain es algo que podría haber sido mejor a pesar de su controversial tema (créanme que no soy un cinéfilo homofóbico porque me encantan Velvet Goldmine, Hedwig and The Angry Inch y Philadelphia) y que no merecía ni siquiera pisar la quintilla de nominados a los premios Oscar. Es sólo mi opinión.

Aparte: Esto lo escribí después de haber pensado mucho sobre la película y luego de haberla visto por primera vez, y me pregunto qué le encontraron los críticos a este controversial drama, así que, haciendo una excepción, la veré una vez más para publicar una segunda parte de este comentario.

The Beauty Killed The Beast

2006-01-02T21:00:00.000-08:00

Sin haber visto la original de 1933 (King Kong, de Cooper y Schoedsack) y habiendo visto la de John Gillermin de 1976 ( que deja mucho que desear) me atrevo a decir que el King Kong de Jackson podría convertirse en uno de esos nuevos clásicos del séptimo arte. Me refiero a un nuevo clásico por el hecho de formar parte de un conjunto de películas, pertenecientes al nuevo milenio, que tienen como principal función la de entretener por medio de majestuosos efectos especiales utilizados perfectamente y con lujo de detalle por directores que gozan de una muy buena situación financiera al momento de filmarlas, y que se aseguran éxitos de taquilla a nivel global, pero que además tienen la particularidad de conciliar lo creativo y visualmente atractivo con lo comercial. Y es esto lo que King Kong tiene, y mucho.
A pesar de ser un remake, la de Peter Jackson tiene originalidad. ¿Por qué, se preguntarán ustedes queridos bloggernautas? Por el simple hecho de transmitir un clásico instaurado en la década de los 40, a un público perteneciente a un cine vanguardista, saciado con producciones de alto presupuesto que fácilmente lo llevan al fascinante mundo de la ficción. Y es así como Jackson, con imágenes poderosas y atrayentes, cautiva a este público que quiere despegar un poco los pies de la tierra para aterrizar en mundos de fantasía que lo lleven a la plenitud al menos por 2 o ¡3 horas! de metraje.
El guatón Peter tuvo muy en cuenta todo lo que significaba costear un remake con “míseros” doscientos mil dólares (una pizca de lo que recaudó con su trilogía anular) por lo que enfatizó su presupuesto en la producción de efectos especiales que, a mi opinión, son tan buenos como los de El Señor de los Anillos, puesto que construyen a un Rey Kong bestial y sobrenatural, digno de denominarse “La Octava Maravilla del Mundo”.

En todo caso los elogios que le doy a este filme no son nada si no destaco a la Ann Darrow de turno, la espectacular Naomi Watts, la blonda más estupenda del Hollywood actual. La que nos amargó con 21 Gramos, nos estremeció con El Aro y nos .... con Mulholland Drive (El Camino de los Sueños, en su traducción al español). Watts desempeña muy bien a la pobre e inocente Ann Darrow, en cada mirada, en cada espanto, y en cada uno de los sentimientos que demuestra hacia King Kong.
Pero vamos a analizar la historia.
Un director de cine consumido por la ambición decide zarpar a bordo de un barco ilegal en busca de una isla perdida, con el fin de filmar una película que contenga parajes insólitos e inhóspitos, nunca antes explorados. A su lado le siguen una muchacha muy sencilla (Naomi Watts) que según él es “la indicada” para el rol de su futuro filme, y un guionista teatral que se ve obligado a ayudarle. Aparte está la tropa de marineros, traficantes ilegales de animales, y el equipo que rodará la cinta. Bueno, al llegar a la Isla Calavera se encuentran con una tribu salvaje que apresa a la actriz, y de pasada deja varios muertos en su camino. Esta tribu realiza un extraño ritual para invocar a su rey, un rey atípico, más bien un animal, una bestia monumental, que al fin y al cabo es el protagonista de la película. Y así es como Kong se lleva a su víctima, sin saber que él luego caerá víctima de su amor; un amor como el de un niño hacia su mascota (¡pero que mascota mas linda!), algo así como “my precious”.

El conflicto viene en el momento en que Carl Denham (el director de cine) decide atrapar a toda costa a esta criatura. Y lo logra, con muchas muertes de por medio, cumpliendo otra de sus ambiciones para saciar su propio ego: llevar al rey Kong a la ciudad de New York. Es en este momento donde Denham firma su propio fracaso: la criatura lógicamente se escapa de su encierro y comienza el caos en la urbe, y el gorila gigante del cual ya comenzábamos a amigarnos, desata su espantosa furia en busca de su “fianceé”. El final lo sabemos todos (y el que no lo sabe por favor dedúzcalo) lo que no le quita fuerza a la historia, porque, mal que mal, la historia de King Kong es un clásico del cine, para amantes y aficionados; es una historia de amor, no del típico amor, sino de ese que nace de la fantasía, el de los niños Darling hacia Peter Pan, el de La Bella hacia La Bestia, y el de Peter Jackson por un simio que traspasa generaciones y generaciones consagrándose como una maravilla del séptimo arte.

¿Felicidad?

2005-11-23T22:05:00.000-08:00

Mar Adentro es de un Alejandro Amenábar distinto, que propone una película más ambiciosa que sus predecesoras, más profunda y debatible, que deja mucho tiempo para reflexionar acerca de lo difícil que puede tocarnos la vida. Nos presenta el otro punto de vista acerca de la existencia: el no querer vivir más; el no tener un propósito que realmente valga la pena y que justifique seguir viviendo.

Mar Adentro. Bien Adentro. Profundo. Un mar que cambia radicalmente la vida de Ramón Sampedro (un notable Javier Bardem) a través de un fatal accidente. Un mar que representa la frontera entre un marinero y un lastimero; entre un joven entusiasmado y un viejo frustrado.
“El que realmente me quiera será el que me ayude a morir”, dice Sampedro con frialdad, dejando a reflexión la pregunta ¿realmente eso lo hará feliz?, ¿considera que el suicidio asistido es una forma de “amar”? ¿tan dura ha sido la vida que ya nada se puede hacer?
El filme no idealiza en el tema de la eutanasia, y eso lo favorece porque así muestra de manera “abierta” y tolerante lo que en una sociedad pluralista se denomina la batalla entre lo moral y lo legal. Pero por el hecho de ser esta una crítica de cine no corresponde dar mi postura acerca de el tema en cuestión, así que lo dejo en paréntesis por si a ustedes blogernautas les interesara comentarlo.

El pero y lo que critico de Mar Adentro es lo siguiente:
Si Sampedro no quiere seguir viviendo...¿qué significan aquellas sensaciones y emociones que experimenta con las personas que lo rodean? Es aquí donde el espectador pierde credibilidad en el personaje. La personalidad de Ramón se caracteriza por ser una mezcla de ternura y amargura, expresada a través de una constante sonrisa acompañada de agresiones psicológicas para con sus interlocutores, y aun así crea fuertes lazos con los demás, lo que no representa a una persona derrotada por la vida que no quiere seguir viviendo. Poco a poco mientras Sampedro genera una más cercana relación con quienes lo consideran parte de sus vidas, el viaje hacia la emoción y las lágrimas que experimenta el público se aleja cada vez más. Puede que Mar Adentro no sea un filme de esos lagrimones pero sigue siendo un drama...y para tragarlo hay que creerlo.

Por fin

2005-11-06T18:41:00.000-08:00

Se Arrienda no es Mala Onda, es Otra Onda. Pertenece a una nueva oleada de películas chilenas dirigidas por cineastas criollos que se atreven a indagar en temas nuevos, en dar nuevas perspectivas de la vida y en crear personajes originales, que distan mucho de sus predecesores, preocupados solamente en mostrar la marginalidad de la sociedad chilena (perteneciendo a este grupo películas como Mala Leche, Azul y Blanco, Taxi para Tres, entre otras). Se Arrienda de Alberto Fuguet, La Sagrada Familia de Sebastián Campos, En la Cama de Matias Bize y Play de Alicia Scherson constituyen la nueva onda que tanto esperaba el público de este país; no más poblaciones callampa y garabatos al por mayor. Espero que el llamado Fondart tenga más consideración a futuro y seleccione proyectos que valgan la pena.
Bueno, pero este blog está dirigido a otra cosa.

Se Arrienda es un filme sencillo, preciso y que emociona. Es una película de maduración, de crecer y de ingresar de alguna manera a la sociedad actual. Podría resumir el argumento de Se Arrienda en la siguiente frase: "si no vas a venderte al sistema, al menos trata de arrendarte", y eso es lo que Gastón Fernandez hace (de una manera muy literal por supuesto, un juego de palabras).

Se Arrienda nos muestra los pros y contras de la vida de un artista y qué es lo que pasa cuando se vive en una burbuja destinada en su totalidad al arte. Cruz Coke impecable en su rol de músico perteneciente a juventudes idealistas, que se niega a penetrar sistema.
Como Fuguet mismo lo dijo: "todos hemos pasado por una época de nuestras vidas en que la frustración llama a nuestra puerta, y mi película habla principalmente de eso". Y ¿qué solución tenemos ante dicha sensación? Seguir con la vida, venderse o arrendarse. El arte y la plata no irán de la mano, pero pueden conciliarse de alguna manera.

La música es fenomenal. Por fin una producción chilena tiene una verdadero soundtrack, al nivel de grandes películas norteamericanas.

Y, por último, pongo en la mesa la asombrosa analogía llamada Hormigas Asesinas, que está inserta cuidadosamente durante el metraje de la cinta. Es una escapada de la historia central, pero que a la vez tiene el hilo conductor de la película en general. El blanco y negro le da un toque especial.

Hago un último apartado para citar dos sutilesas de Se Arrienda (dedicado a un amigo): el aporte a fundación Las Rosas durante la escena de la farmacia y la detallada fotografía de un Santiago jamás antes proyectado por un cineasta chileno.

Concluyendo, Fuguet le apuntó a un público hambriento del buen cine.

2005-11-04T23:11:00.000-08:00

kill bill

Frío

2005-11-04T22:01:00.000-08:00

Frío

El primer comentario de este blog está dirigido a un filme ruso relativamente actual (no es de extrañar que el título de este apartado sea "frío" por ser una película rusa).
El Regreso (Vozvrashcheniye 2003) es una producción rusa que recibió una muy buena crítica alrededor del mundo y merecedora del Leon de Oro del festival de Venecia 2003 junto con otros premios importantes de la misma ceremonia.
En resumen, para los que no la han visto, la historia gira en torno a dos hermanos que ven cambiar su vida radicalmente a través de la llegada de su padre quien no dio indicios de existencia durante un extenso período. Aquellla repentina aparición descoloca completamente a estas dos criaturas dejándolas propensas y expuestas a cualquier situación. Es una cinta que cita variados lugares comunes del cine ruso: reminiscencia a Andrei Tarkovsky por doquier, ambientes desolados y melancólicos, planos estáticos que reflejan paisajes llenos de frialdad y tristeza, etc.
Pero en fin, lo que quiero es resaltar el tema principal en cuestión: el cómo afecta la falta de un padre a un par de niños que viven semi-huérfanos en medio de la cotidianeidad. ¿Cómo imaginan a su progenitor?, ¿qué simboliza la figura paternal para ellos?, ¿qué piensan cuando escuchan la palabra padre?....Este es el tema que trata El Regreso, sin ideologías baratas y caricaturizaciones hollywoodenses; sólo nos cede un momento de silencio para reflexionar acerca de la familia y la importancia que tiene ésta dentro de la formación de los hijos.
Saludos desde Endor.

Intro

2005-11-04T13:38:00.000-08:00

Are you talkin´to me?
Empiezo este blog con la mítica y trastornada frase pronunciada por Robert De Niro en la Taxi Driver de Scorsese para dar rienda suelta a todo tipo de comentarios y críticas del séptimo arte, ese que nos llena la vida de emociones y recuerdos imposibles de olvidar. Por supuesto que también se publicarán algunas cosillas respecto a la música, otra expresión artística que no podemos dejar de lado, y que complementa en gran parte al cine.
Me gustaría que opinaran en este rinconcito de la red, que dieran su punto de vista acerca del cine o de alguna película en particular, que no guardaran sus palabras acerca de aquel filme que les cambió la vida o, por el contrario, que desean hacer pedazos. No sean como Travis Bickle (De Niro en Taxi.. para los que no saben) guardando sus pensamientos para su persona y nadie más. Opinen, siempre es bueno sacar a relucir ese crítico que llevamos dentro. Recuerden que siempre alguien los va a estar leyendo (al menos yo ..jaja).
Se despide un cinépata amigo.